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Material de estudos para janeiro:
https://portaldedanca.blogspot.com/p/material-de-estudos.html
Siglas de danças
SB = Samba
https://www.youtube.com/watch?v=JTln4zr6vp8
SBR= Samba Rock
https://www.youtube.com/watch?v=IreBiPFxwks&list=RDQMtw9Fsaijf4o&start_radio=1
SBF= Samba Funkeado
https://www.youtube.com/watch?v=o9H8__KBZV8
FR= Forró
https://www.youtube.com/watch?v=9PUMtFZ-WfY
FRD= Forróda
BL= Bolero
https://www.youtube.com/watch?v=aEaIH6KsKYo
SL= Salsa
https://www.youtube.com/watch?v=R7E9cNydevg
TG= Tango
https://www.youtube.com/watch?v=wDtfeKolirU
MB = Mambo
https://www.youtube.com/watch?v=ZH7o2arFcgg
RDZ= Roda de Zouk
https://www.youtube.com/watch?v=WB4-W0hcUwg
ZK= Zouk
https://www.youtube.com/watch?v=tg6ahUI-5dM
ST= Soltinho
https://www.youtube.com/watch?v=_z0aI5A3-k4
SJ= Sertanejo
https://www.youtube.com/watch?v=wPk7nuH8n68
BC= Bachata
https://www.youtube.com/watch?v=t808BgOjZPo
VL= Valsa
https://www.youtube.com/watch?v=kUl9gUdr1Fc
LH= Lindy Hop
https://www.youtube.com/watch?v=VmvKrPUo97E&t=1s
WCS= West Coast Swing
https://www.youtube.com/watch?v=FIawVClaMgI
ML= Milonga
https://www.youtube.com/watch?v=DHHek3Mqz0w
MX= Maxixe
https://www.youtube.com/watch?v=q78QC47iP_o
MR= Merengue
https://www.youtube.com/watch?v=FGDs0_gUtfY
CCC= Cha-Cha-Cha
https://www.youtube.com/watch?v=Rz55mgfxhxA
RB= Rumba
https://www.youtube.com/watch?v=XGIWHAwuT5Y
CR= Carimbó
https://www.youtube.com/watch?v=ViAUEnRUydE
CB= Cumbia
https://www.youtube.com/watch?v=Gm0BrxcaGCs
PDB= Passo Doble
https://www.youtube.com/watch?v=R4D4Ihx4mzw
CLP= Calypso
https://www.youtube.com/watch?v=oogMDtv0wMw
VN= Vanera
https://www.youtube.com/watch?v=7nxfcQs3ApA
FT= Foxtrot
https://www.youtube.com/watch?v=Ti_YU-vsG34
PC= Polka
https://www.youtube.com/watch?v=ZrWJL8JZLT0
KZ= Kizomba
https://www.youtube.com/watch?v=r_bT4oo-rEo
JV= Jive
https://www.youtube.com/watch?v=73KjGH7jcMI
QS= Quickstep
https://www.youtube.com/watch?v=no3BbjUp4Dg
CMM= Chamamé
https://www.youtube.com/watch?v=KBicFAre-AU
Matéria de estudo extra
https://www.youtube.com/watch?v=5OXpVSrqWWg&t=1075s
https://www.youtube.com/watch?v=jzD1oQidOjU
https://www.youtube.com/watch?v=5OXpVSrqWWg&t=1075s
https://www.youtube.com/watch?v=jzD1oQidOjU
Bolero
O PRIMEIRO BOLERO DATA DE 1883...
A origem do bolero tanto como dança quanto como gênero musical é controversa. A dança que tem raízes bem antigas, já seria sucesso no século XVII. Há versões que apontam para a Inglaterra, França e Espanha como seu berço, sendo que a Espanha é citada com maior freqüência e destaque.
A música bolero, já datando do século XX, tem sua paternidade disputada entre Cuba e México.
Hoje no Rio de Janeiro, os movimentos executados sob a designação de bolero são uma maneira brasileira de interpretar as emoções numa dança suave, fluída e harmoniosa, que pode acontecer ao som de boleros tradicionais ou do pop romântico, sendo bons exemplos desta versatilidade o sucesso Un-break my heart, na voz de Tony Braxton ou “Take a Bow” cantado por Madonna.
V2Consta que seu nome deriva da palavra espanhola volero (de volar = voar) ou das bolinhas que eram usadas presas nos vestidos das dançarinas ciganas (boleras), que pareciam voar enquanto dançavam.
Quanto à dança, sua origem é discutida:
uma versão diz que se surgiu na Inglaterra passando pela França e Espanha com nomes variados (dança e contradança); outra versão, diz que veio do fandango - dança espanhola de origem árabe - muito popular, desde o século XVII e que fez sucesso no Brasil entre os séculos XVIII e XIX. Há, ainda, autores que apontam o bailarino espanhol Sebastian Cerezo como seu criador, em 1780, inspirado numa dança típica dos ciganos, fez uma variação baseada nas Seguidillas.
O bolero, a princípio, era executado com acompanhamento de castanholas, violão e pandeiro, tal qual o fandango, enquanto o casal dançava sem se tocar, com sensuais movimentos de aproximação e afastamento.
Assim como o bolero influenciou o Mambo, Chá-Chá-Chá e Salsa e ele também recebeu influência de outros ritmos como o Tango e apenas no Brasil, ele é dançado da forma como o conhecemos nos dias atuais com figurações, passos de efeito e dos muitos giros.
Na maioria dos países latino-americanos ele é dançado de forma simples e lenta, sem muitas variações. Portanto quando você ouvir a expressão "dois pra lá, dois pra cá", com certeza estarão falando do bolero, pois essa é a base para se dançar esse ritmo que se desenvolveu, principalmente, em Cuba e outros países da América Central, México, República Dominicana, Porto Rico.
Na Europa ele é mais conhecido como rumba lenta. O Bolero é uma dança agradável e elegante com música romântica com letras sentimentais e por isso permanece até nossos dias.
O Tango nasceu nos fins do século XIX derivado das misturas entre as formas musicais dos imigrantes italianos e espanhóis, dos crioulos descendentes dos conquistadores espanhóis que já habitavam os pampas e de um tipo de batuque dos negros chamado "Candombe". Há indícios de influência da "Habanera" cubana e do "Tango Andaluz". O Tango nasceu como expressão folclórica das populações pobres, oriundas de todas aquelas origens, que se misturavam nos subúrbios da crescente Buenos Aires.
Numa fase inicial era puramente dançante. O povo se encarregava de improvisar letras picantes e bem humoradas para as musicas mais conhecidas, mas não eram, por assim dizer, letras oficiais, feitas especificamente para as músicas nem associadas definitivamente a elas.
Em público, dançavam homens com homens. Naqueles tempos era considerada obscena a dança entre homens e mulheres abraçados, sendo este um dos aspectos do tango que o manteve circunscrito aos bordéis, onde os homens utilizavam os passos que praticavam e criavam entre si nas horas de lazer mais familiar. Mais tarde, o tango se tornou uma dança tipicamente praticada nos bordéis, principalmente depois que a industrialização transformou as áreas dos subúrbios em fábricas transferindo a miséria e os bordéis para o centro da cidade. Nessa fase haviam letras com temática voltada para esses ambientes. São letras francamente obscenas e violentas.
Homens dançando tango, Rosário, 1913.
Por volta de 1910 o Tango foi levado para Paris. Existem várias versões de como isso aconteceu. A sociedade parisiense da época em que as artes viviam o modernismo ansiava por novidades e exotismos. O tango virou uma febre em Paris e, como Paris era o carro chefe cultural de todo o mundo civilizado, logo o tango se espalhou pelo resto do mundo. A parcelas moralistas da sociedade condenavam o tango, assim como já haviam se colocado contra a valsa antes, por o considerarem uma dança imoral. A própria alta sociedade Argentina desprezava o tango, que só passou a ser aceito nos salões de alta classe pela influência indireta de Paris.
Em 1917 começaram a surgir variantes formais do Tango. Uma delas, influenciada pela romança francesa, deu origem ao chamado Tango-canção. Tangos feitos para musicar uma letra. A letra passa a ser parte essencial do tango e conseqüentemente, surgem os cantores de tango. O tango já não é feito exclusivamente para dançar. É considerado o primeiro - ou pelo menos mais marcante nessa transição - Tango-canção o "Mi Noche Triste" com uma letra que Pascoal Contursi compôs, em 1917, sobre uma música mais antiga chamada "Lita".
Nos cabarés de luxo da década de 1920, o tango sofreu importantes modificações. Os executantes não eram mais os pequenos grupos que atuavam nos bordéis, mas músicos profissionais que trouxeram o uso do piano e mais qualidade técnica e melódica.
Carlos Gardel já era um estrondoso sucesso em 1928. Sucesso que durou até 1935, quando faleceu vítima de um acidente de avião quando estava em pleno auge. Gardel cantava o tango em Paris, Nova York e muitas outras capitais do mundo, sempre atraindo multidões, principalmente quando se apresentava na América latina. Eram multidões dignas de Elvis Presley e Beatles. Também foi responsável pela popularização do tango estrelando filmes musicais de tango produzidos em Hollywood.
.Carlos Gardel
A década de 1940 é considerada uma das mais felizes e produtivas do tango. Os profissionais que haviam começado nas orquestras dos cabarés de luxo da década de 1920 estavam no auge de seu potencial. Nessa época as letras do tango passaram a ser mais líricas e sentimentais. A antiga temática dos bordéis e cabarés, de violência e obscenidades, era uma mera reminiscência. A fórmula ultra-romântica passa a caracterizar as letras: a chuva, a garoa, o céu, a tristeza do grande amor perdido. Muitos letristas eram poetas de renome e com sólida formação cultural.
A década de 1950 conta com a atuação revolucionária de Astor Piazzolla. Piazzolla rompe com o tradicional trazendo para complementar os recursos clássicos do tango influências de Bach e Stravinsky por uma lado, e por outro lado do Cool Jazz.
Astor Piazzolla
Nessa época o tango passa a ser executado com alto grau de profissionalismo musical, mas no universo popular a década de 1950 vê a invasão do Rock'Roll americano e as danças de salão passam a ser prática apenas de grupos de amantes. Na década de 1960, uma lei de proteção á música nacional Argentina já está revogada, e o tango que era ouvido diariamente nas rádios vai sendo substituídos por outros ritmos estrangeiros, enquanto as gravadoras já não se interessam mais pelo tango. A juventude não só pra de praticar o tango no lazer cotidiano como passa a ridicularizá-lo como coisa fora de moda. Com o desinteresse comercial das gravadoras, poucos grandes tangos foram compostos. Tem sido mais comuns, as releituras de antigos sucessos e reinterpretações modernizadas dos maiores sucessos dos primeiros tempos.
Hoje a crítica Argentina detecta um retorno do tango, cada vez mais freqüente em peças teatrais e cinematográficas. Em 1983 se apresentou em Paris uma inovação relativa aos espetaculosa planejados para o exterior: os casais de profissionais que integravam o elenco provinham da "milonga porteña". Era quebrada a imagem de bailarino acrobático.
REFERENCIA
historia do tango.disponivel em:http://tangobh.br.tripod.com/historiatango.htm. acesso em: 29 de maio de 2010, as 19:01
Tango
A música fala de grandes amores, ciúmes e tragédias. A dança é forte, elegante e muito técnica.
De uma beleza incomparável, confere ao bailarino uma aura de puro magnetismo.
No filme Perfume de Mulher um Al Pacino cego, dança.
E dança um tango, pois só o tango teria carga dramática para criar uma das cenas mais bonitas e emocionantes do cinema.
Argentino, o tango tem suas raízes na África – deriva da milonga que foi criada a partir do candombe, dança dos negros que celebrava a coroação dos reis congos.
O candombe, ou candomblé, por seu cunho religioso, não era acessível aos brancos.
Porém seus movimentos eram imitados e até caricaturados pelos brancos pobres que faziam uma dança livre ao som de mazurcas, habaneras, polcas e valsas.
A essa dança juntou-se o canto chamado milonga.
Da fusão desta dança livre com a milonga nasce, por volta de 1880, o tango, que foi ainda influenciado pelo tango andaluz, pelo tango africano ("tango de los negros") e pelas habaneras.
Inicialmente dançado somente pelos homens - dançarinos em coreografia solitária, foi nos prostíbulos onde as mulheres "ousaram" dançar, servindo como um pretexto para a aproximação, que o tango passou a ter a formação de pares.
Interessante notar que a palavra tango, deriva do latim "tactum" (tocar), na linguagem africana, significa tocar, aproximar-se, e os negros de Cuba usavam tango para denominar seus bailes.
Associado ao porto, ao cais, com suas prostitutas, marujos e marginais, o tango pertencia ao baixo mundo argentino, de onde foi alçado para os bailes e salões nobres pela beleza de seus passos e pela notoriedade e prestígio que grandes interpretes como Carlos Gardel deram ao tango como música.
Reconhecido como símbolo nacional argentino, o tango goza hoje de uma legião de admiradores em todo o mundo, sendo considerado como uma dança de qualidade ímpar, com grande apelo cênico, singularidade de passos e totalmente atemporal.
Longe da caricatura, o tango é dança de salão que encanta pela técnica, pela singularidade e principalmente pela cumplicidade de seus dançarinos, e nada melhor para definir o tango que o poema de Carlos de la Púa:
Baile macho debute y milonguero,
danza procaz, maleva y pretenciosa,
que llevás en el giro arrabalero,
la cadencia de origen candombero
como una cinta vieja y melindrosa.
Pasión de grelas de abolengo
bajo de quien sos en la bronca de la vida,
un berretín con sensación de tajo
cuando un corte las quiebra como un gajo,
BY MARCELO FERREIRA
o les embroya el cuero una corrida.
Salsa e cebolinha.
Uma pitada de coentro, pimenta e muita salsa.
Ôpa.
Desculpe.
Vamos falar da Salsa, essa dança forte, cheia de molejo e cheia de.... cheia de tempero!
É isso!
O nome é proposital, associando o ritmo e dança ao tempero, ao gostinho picante e às letras das músicas de Cuba - berço da Salsa - que com freqüência se referem ao açúcar, à beleza e aos sabores da Ilha.
Os estudiosos afirmam ser a origem da Salsa, o Danzón ou Son , uma dança cubana que apresentava como características movimentos grandes, rebuscados e muito sensuais.
Quando no final do século XVIII os franceses aportaram na Ilha, devido aos rigores morais da época, assimilaram a dança porém com grande separação física entre cavalheiro e dama e também refinando postura e movimentos.
Já na década de 50, o Son é sucesso nos cassinos, onde também brilham o fox, o rock e o jazz, que influenciam e trazem um novo jeito de dançar.
Nasce "o casino" com passos mais elaborados e com a formação de rodas.
Por ser extremamente lúdico e integrador, gera alguns anos depois uma verdadeira moda, a "rueda de casino", onde podemos perceber elementos das contradanças e minuetos franceses. Sob liderança os dançarinos executam em total sincronia passos complexos, giros e trocas de pares.
Pelo ritmo forte da música destaca-se a rapidez dos movimentos, o que a torna muito excitante.
Nos anos 60/70 o són e o cassino vivem sua época de ouro, atravessam fronteiras e recebem um novo nome - Salsa.
Depois cai no esquecimento, sendo preterida com o advento das discotecas.
Resiste na terra de Fidel e é vista, timidamente, em bailes e festas de imigrantes cubanos.
Esse ostracismo não resiste, no entanto, quando as danças de salão passam por uma revitalização e a mídia, atenta ao fenômeno, leva a Salsa ao público mais jovem.
Ela renasce e hoje está cada vez mais incorporada ao repertório dos dançarinos e presente nos bailes e salões.
BY LUCIA D'ACRE
Origens
O Maxixe (também foi conhecido por Tango brasileiro) é uma dança de casal brasileira que esteve em moda entre o fim do século XIX e o início do século XX. Dançava-se acompanhada da forma musical do mesmo nome, contemporânea da polca e dos princípios do choro e que contou com compositores como Ernesto Nazareth e Patápio Silva. Mas o maior nome na composição de maxixes foi, sem dúvida, o da maestrina Chiquinha Gonzaga.
Teve a sua origem no Rio de Janeiro na década de 1870, mais ou menos quando o tango também dava os seus primeiros passos na Argentina e no Uruguai, do qual sofreria algumas influências. Dançada a um ritmo rápido de 2/4, notam-se também influências do lundu, das polcas e das habaneras.
Tal como o tango, este estilo foi também exportado para a Europa e Estados Unidos da América, no início do século XX.
O samba e a lambada são dois exemplos de danças que devem algumas contribuições de estilo ao Maxixe.
O lundu veio para o Brasil com os negros de Angola, por duas vias, passando por Portugal, ou diretamente da Angola para o Brasil.
Em Portugal recebeu polimentos da corte, como o uso dos instrumentos de corda, mas fora proibida por D. Manuel ao ser “contrária aos bons costumes”. Já a vinda direta da Angola para o Brasil recuperou o acento jocoso, mordaz e sensual que incomodara a sociedade lisbonense.
Aparece no Brasil no século XVIII como uma dança sem cantoria e de "natureza licenciosa", para os padrões da época. Nos finais do século XVIII, presente tanto no Brasil como em Portugal, o lundu evolui como uma forma de canção urbana, acompanhada de versos, na maior parte das vezes de cunho humorístico e lascivo, tornando-se uma popular dança de salão.
Durante todo o século XIX, o lundu é uma forma musical dominante, e o primeiro ritmo africano a ser aceito pelos brancos. Neste período, surgem os mais importantes compositores que representam esta forma musical (ver abaixo) e a viola é adotada entre os instrumentos de corda utilizados.
O lundu sai de evidência no início do século XX, mas deixa seu legado, pricipalmente no que tange ao ritmo sincopado, no maxixe (outro forma musical híbrida urbana que também deve suas origens à polca e à habanera). Musicólogos defendem que no lundu, como o primeiro ritmo afro-brasileiro em formato de canção e fruto de um sincretismo, está a origem do samba, via o maxixe, mas há controvérsias quanto a esse ponto.
Uma modalidade do lundu, a dança de roda, ainda é praticada na Ilha de Marajó e nos arredores de Belém, no estado do Pará, recentemente grupos culturais do entorno do DF (região limítrofe do DF e de Goiás) reiniciaram essa prática.
Jongo é uma manifestação cultural essencialmente rural, diretamente associada à cultura africana no Brasil e que influiu poderosamente na formação do Samba carioca em especial e da cultura popular brasileira como um todo.
Inserindo-se no âmbito das chamadas 'danças de umbigada' (sendo portanto aparentada com o 'Semba' ou 'Masemba' de Angola), o Jongo foi trazido para o Brasil por negros bantu, seqüestrados nos antigos reinos de Angola e do Congo, na região compreendida hoje por boa parte do território da República de Angola.
Composto por música e dança características, animadas por contendores que se desafiam por meio da improvisação, ali, no momento, com cantigas ou pontos enigmáticos ('amarrados') , o Jongo tem provavelmente, como uma de suas origens mais remotas (pelo menos no que diz respeito á estrutura dos pontos cantados), o tradicional jogo de adivinhas angolano denominado Jinongonongo. É característica e essencial à manifestação também, a evocação de símbolos cabalísticos ou rituais específicos, entre os quais, os mais evidentes estão ligados à fogueira e à bananeira, entidades propiciadoras, junto com a música das vozes e dos tambores, da ocorrência de fenômenos supostamente paranormais.
Da manifestação do Jongo podem participar homens e mulheres, mas esta participação, em sua forma original, sempre esteve, rigorosamente, restrita aos iniciados ou mais experientes da comunidade. Este fator pode estar relacionado a normas éticas e sociais ainda hoje vigentes na sociedade tradicional angolana, baseadas na obediência a um conselho de indivíduos 'mais velhos' e no 'culto dos ancestrais', hábitos a rigor bastante comuns em diversas outras sociedades tradicionais humanas.
Alguns indícios históricos indicam que o Jongo pode ter tido, em sua origem, alguma remota ligação com um hábito recorrente nas culturas africanas de expressão bantu durante o período colonial, de criar sistematicamente, sociedades secretas ou seitas político-religiosas especializadas.
Dançado e cantado outrora com o acompanhamento de urucungo (arco musical bantu, vulgarmente conhecido hoje como berimbau), viola e pandeiro, além de três tambores cerimoniais, utilizados até os nossos dias, chamados de 'Caxambu', o maior - que dá nome a manifestação em algumas regiões- 'Candongueiro', o menor e o tambor de fricção 'Ngoma-puíta' (que deu origem à cuíca do Samba), o Jongo é ainda hoje bastante praticado em diversas cidades de sua região original: o Vale do Paraíba na Região Sudeste do Brasil, ao sul do estado do Rio de Janeiro e ao norte do estado de São Paulo. Entre as diversas comunidades que mantêm (ou, até recentemente, mantiveram) a prática desta manifestação, pode-se citar, como exemplo, as localizadas na periferia das cidades de Valença, Vassouras , Paraíba do Sul e Barra do Piraí (Rio de Janeiro) além de Guaratinguetá e Lagoinha (São Paulo), com reflexos na região dos rios Tietê, Pirapora e Piracicaba, também em São Paulo (onde ocorre uma manifestação muito semelhante ao Jongo conhecida pelo nome de 'Batuque') e até em certas localidades no sul de Minas Gerais.
Na cidade do Rio de Janeiro, a região compreendida pelos bairros de Madureira e Oswaldo Cruz, já nos anos imediatamente posteriores à abolição da escravatura, centralizou durante muito tempo a prática desta manifestação na zona rural da antiga Corte Imperial, atraindo um grande número de migrantes ex-escravos, oriundos das fazendas de café do Vale do Paraíba. Entre os precursores da implantação do Jongo nesta área se destacaram a ex-escrava Maria Teresa dos Santos muitos de seus parentes ou aparentados além de diversos vizinhos da comunidade, entre os quais Mano Elói (Eloy Anthero Dias), Sebastião Mulequinho e Tia Eulália, todos eles intimamente ligados a fundação da Escola de Samba Império Serrano, sediada no Morro da Serrinha.
A partir de meados da década 70, no mesmo Morro da Serrinha, o músico percussionista Darcy Monteiro 'do Império' (mais tarde conhecido como Mestre Darcy), a partir dos conhecimentos assimilados com sua mãe, a rezadeira Maria Joana Monteiro (discípula de Vó Teresa), passando a se dedicar á difusão e a recriação da dança em palcos, centros culturais e universidades, estimulando por meio de oficinas e workshops, a formação de grupos de admiradores do Jongo que, embora praticando apenas aqueles aspectos mais superficiais da dança, deslocando-a de seu âmbito social e seu contexto tradicional original, dão hoje a ela alguma projeção nacional.
Ainda no âmbito da cidade do Rio de Janeiro, é digno de nota também o 'Caxambu do Salgueiro', grupo de Jongo tradicional que, comandado por Mestre Geraldo, animou, pelo menos até o início da década de 1980, o Morro do Salgueiro, no bairro da Tijuca e era composto por figuras históricas daquela comunidade, entre as quais Tia Neném e Tia Zezé, famosas integrantes da ala das baianas da Escola de Samba G.R.E.S Acadêmicos do Salgueiro.
SAMBA SAMBA SAMBA
O primeiro registro da palavra "samba" aparece na Revista O Carapuceiro, de Pernambuco, em 3 de fevereiro de 1838, quando Frei Miguel do Sacramento Lopes Gama, escreve contra o que chamou de "samba d'almocreve".
Em meados do século 19, a palavra samba definia diferentes tipos de música introduzidas pelos escravos africanos, desde o Maranhão até São Paulo.
O samba carioca provavelmente recebeu muita influência de ritmos da Bahia, com a transferência de grande quantidade de escravos para as plantações de café no Estado do Rio, onde ganhou novos contornos, instrumentos e histórico próprio, de forma tal que, o samba moderno, como gênero musical, surgiu no início do século 20 na cidade do Rio de Janeiro (a capital brasileira de então). Muitos pesquisadores apontam para os ritmos do maxixe, do lundu e da modinha como fontes que, quando sintetizadas, deram origem a ao samba moderno.
O termo "escola de samba" é originário deste período de formação do gênero. O termo foi adotado por grandes grupos de sambistas numa tentativa de ganhar aceitação para o samba e para a suas manifestações artísticas; o morro era o terreno onde o samba nascia e a "escola" dava aos músicos um senso de legitimidade e organização que permitia romper com as barreiras sociais.
O samba-amaxixado Pelo telefone, de domínio público mas registrado por Donga e Mauro Almeida, é considerado o primeiro samba gravado, embora Bahiano e Ernesto Nazaré tenham gravado pela Casa Édison desde 1903. É deles o samba "A viola está magoada". Há registros também do samba "Em casa de Baiana" (1913), de autoria de Alfredo Carlos Brício. Porém ambos não fizeram muito sucesso, e foi a composição registrada por Donga que levou o gênero para além dos morros. Donga chegou a anunciar "Pelo telefone" como "tango-samba", no Jornal do Brasil de 8 de janeiro de 1917.
Nos anos trinta, um grupo de músicos liderados por Ismael Silva fundou, na vizinhança do bairro de Estácio de Sá, a primeira escola de samba, Deixa Falar. Eles transformaram o gênero, dando-lhe os contornos atuais, inclusive coma introdução de novos instrumentos, como o surdo e a cuíca, para que melhor se adequasse ao desfile de carnaval. Nesta mesma época, um importante personagem também foi muito importante para a popularização do samba: Noel Rosa. Noel é responsável pela união do samba do morro com o do asfalto. É considerado o primeiro cronista da música popular brasileira. Nesta época, a rádio difundiu a popularidade do samba por todo o país, e com o suporte do presidente Getúlio Vargas, o samba ganhou status de "música oficial" do Brasil.
Nos anos seguintes o samba se desenvolveu em várias direções, do samba canção às baterias de escolas de samba. Um dos novos estilos foi a bossa nova, criado por membros da classe média, dentre eles João Gilberto e Antonio Carlos Jobim.
Nos anos sessenta os músicos da bossa nova iniciaram um movimento de resgate dos grandes mestres do samba. Muitos artistas foram descobertos pelo grande público neste momento. Nomes como Cartola, Nelson Cavaquinho, Zé Keti e Clementina de Jesus gravaram os seus primeiros discos.
Nos anos setenta o samba era muito tocado nas rádios. Compositores e cantores como Martinho da Vila, Bezerra da Silva, Clara Nunes e Beth Carvalho dominavam as paradas de sucesso.
No início da década de 1980, depois de um período de esquecimento onde as rádios eram dominadas pela música de discoteca e pelo rock brasileiro, o samba reapareceu no cenário brasileiro com um novo movimento chamado de pagode. Nascido nos subúrbios cariocas, o pagode era um samba renovado, que utilizava novos instrumentos, como o banjo e o tantã, e uma linguagem mais popular. Os nomes mais famosos foram Zeca Pagodinho, Almir Guineto, Grupo Fundo de Quintal, Jorge Aragão e Jovelina Pérola Negra.
Atualmente o samba é um dos gêneros musicais mais populares no Brasil.
Subgêneros
Samba comum
O samba é caracterizado por uma seção de ritmo contendo a marcação, geralmente surdo ou tantan, o `coração do samba'; e seu núcleo mais importante é geralmente reconhecido como cavaco e pandeiro.
O cavaquinho é a conexão entre a seção de harmonia e a seção de ritmo, e costuma ser reconhecido como um dos instrumentos harmônicos mais percussivos existentes; sua presença, via de regra, diferencia o verdadeiro samba de variações mais suaves como a Bossa Nova (embora haja algumas gravações de samba que não usem o cavaco, e.g. de Chico Buarque).
O pandeiro é o instrumento percussivo mais presente, aquele cuja batida é a mais completa. Um violão está sempre presente, e a maneira de tocar violão no samba popularizou o violão de 7 cordas, por causa das sofisticadas linhas de contraponto utilizadas no gênero nas cordas mais graves.
As letras falam basicamente de qualquer coisa, já que o samba é o ritmo nacional brasileiro. Esse subgênero engloba todos os outros.
Artistas Famosos: Beth Carvalho, Paulinho da Viola, Zeca Pagodinho, Wilson Moreira, Teresa Cristina & Grupo Semente
Partido alto
Esse termo é utilizado para denominar um tipo de samba que é caracterizado por uma batida de pandeiro altamente percussiva, com uso da palma da mão no centro do instrumento para estalos. A harmonia do partido alto é sempre em tom Maior.
Geralmente tocado por um conjunto de instrumentos de percussão (normalmente surdo, pandeiro e tamborim) e acompanhado por um cavaquinho e/ou por um violão, o partido alto costuma ser dividido em duas partes, o refrão e os versos. Partideiros costumam improvisar nos versos, com disputas comuns, e improvisadores talentosos fizeram sua fama e carreira no samba, como Zeca Pagodinho, que é não só um grande sambista de propósito geral como um dos melhores improvisadores.
Artistas Famosos: Candeia, Jovelina Pérola Negra, Zeca Pagodinho, Arlindo Cruz, Aniceto do Império, Sombrinha, Nei Lopes, Almir Guinéto, Camunguelo,Xangô da Mangueira, Nilton Campolino
Pagode
Hoje é a forma de samba que se difunde entre as periferias dos centros urbanos do Brasil, surgida nos anos 80 com a introdução de três novos instrumentos, o banjo, o tantan e o repique de mão.
Usualmente é cantado por uma pessoa acompanhada por cavaquinho, violão e pelo menos por um pandeiro. As letras são descontraídas, falam normalmente de amor ou qualquer situação engraçada. Quase sempre as letras não tem grande expressão, sendo maior preocupação a aliteração do que o conteúdo.
Artistas famosos: Raça Negra, Katinguelê,Sorriso Maroto,Revelação,Jeito Moleque.
agogô e às vezes berimbal metalizado, apesar de manter os instrumentos do Pagode. Alguns grupos, como Gera Samba, continuaram a tocar Pagode tradicional, já outros apresentam o Neo-pagode tipificado como Olodum & Samba.
Grupos / Artistas famosos: É o Tchan, Gera Samba, Terra Samba, Kiloucura, Molejo, Inimigos da Hp
Samba de Breque
Hoje um gênero morto, as músicas do samba de breque eram intercaladas com partes faladas, ou diálogos. Os cantores, necessariamente, tinham um excelente dom vocal e habilidade de fazer vozes diferentes. As letras contavam histórias e eram jocosas.
Artistas famosos: Moreira da Silva
Samba-Canção
O samba-canção foi muito executado nas rádios, com grande influências do estilo e da melodia do Bolero e ballad americano. As canções deste gênero são românticas e de ritmo mais lento. Os temas variam do puramente lírico ao trágico.
Artistas famosos: Noel Rosa, Ângela Maria, Alexandre Pires, Nora Ney, Nelson Gonçalves, Cauby Peixoto, Agnaldo Rayol, Dolores Duran, Maysa Matarazzo, Lindomar Castilho. As intérpretes desse gênero ficaram conhecidas como as divas da Era de Ouro do Rádio.
Samba-Exaltação
O samba-exaltação, é caracterizado por composições "meta-regionais", o ufanismo observado nas composições exalta por assim dizer a cultura do país e não um folclore específico, constituindo o primeiro momento de exportação da música popular sem precedentes na história, apresentando as cores, a aquarela do país ao resto do mundo. Aquarela do brasil, de Ary Barroso, é a composição que inaugura esse estilo de samba. Carmen Miranda destaca-se como uma das grandes expoentes.
Samba-Enredo
O samba enredo é o estilo cantado pelas escolas de samba durante os desfiles de carnaval. A letra do samba-enredo, normalmente, conta uma história que servirá de enredo para o desenvolvimento da apresentação da escola de samba. Em geral, a música é cantada por um homem, acompanhado sempre por um cavaquinho e pela bateria da escola de samba, produzindo uma textura sonora complexa e densa, conhecida como batucada.
Bossa Nova
A bossa nova é um estilo originalíssimo de samba brasileiro que surgiu na década de 1960.
Este estilo é uma fusão dos estilos do jazz com o samba.
Durante muitos anos foi o samba das praias e bares do Rio de Janeiro.
A Bossa Nova foi bem original no seu estilo criativo, pois introduziu o repique de mão e a viola eletrônica, imitando a guitarra nos tons mais finos, fazendo uma melodia com forte influência das melodias americanas mescladas com batidas abrasileiradas. As interpretações são marcadas por um tom suave, intimista ou sussurrado.
Gravado em 1958 o LP Canção do Amor Demais, é considerado axial para a inauguração deste movimento, surgido em 1957.
O antológico LP trazia ainda, também da autoria de Vinícius de Moraes e Tom Jobim, Chega de saudade, Luciana, Estrada branca, Outra vez.
A melodia ao fundo foi composta com a participação de um jovem baiano que tocava seu violão de maneira original, inédita: o jovem João Gilberto.
Samba Reggae
É um estilo de samba que teve origem na Bahia no ano 2000.
Na década de 1980 havia manifestações culturais de batidas latinas misturadas com axé music e melodias parecidas com reggae, porém isso não foi suficiente para definir o estilo.
Por volta de 2000, grupos como Gera Samba e Cidade Negra, além da famosa cantora Daniela Mercury, resgataram estas manifestações.
Neste momento surgiu o Samba Reggae que, por sua vez, evoluiu introduzindo instrumentos comuns em músicas de origem latina e instrumentos de samba como pandeiro e tambor, além de guitarra ou viola eletrônica no lugar do cavaquinho. O Samba Reggae é um samba essencialmente praiano, que narra as situações da vida dos seus autores (geralmente negros) como personagens de praia.
Artistas e grupos famosos: Terra Samba, Cidade Negra, Margareth Menezes, Daniela Mercury, Armandinho, Inimigos da HP,
Outras variantes
O samba de roda é um estilo musical tradicional afro-brasileiro, associado a uma dança que por sua vez está associada à capoeira. É tocado por um conjunto de pandeiro, atabaque, berimbau, viola e chocalho, acompanhado por canto e palmas.
O samba teria surgido por inspiração sobretudo de um ritmo africano, o semba, e teria sido formado a partir de referências dos mais diversos ritmos tribais africanos. Note-se que a diversidade cultural, mesmo dentro da raça negra no Brasil, era bastante notável, porque os senhores de escravos escolhiam aleatoriamente seus indivíduos, e isso tanto fez separarem tipos africanos afins, pertencentes a uma mesma tribo, quanto fez juntarem tipos africanos diferentes, alguns ligados a tribos que eram hostis em seu continente original. Isso transformou seriamente o ambiente social dos negros, não bastasse o novo lugar onde passariam a viver, e isso influenciou decisivamente na originalidade da formação do samba brasileiro, com a criação de formas musicais dentro de um diferente e diverso contexto social.
O Samba de Roda no Recôncavo Baiano, é uma mistura de música, dança, poesia e festa. Presente em todo o estado da Bahia, o samba é praticado, principalmente, na região do Recôncavo. Mas o ritmo se espalhou por várias partes do país, sobretudo Pernambuco e Rio de Janeiro. O Rio de Janeiro, já na sua condição de Distrito Federal, se tornou conhecido como a capital mundial do samba brasileiro, porque foi nesta cidade onde o samba se evoluiu, adquiriu sua diversidade artística e estabeleceu, na zona urbana, como um movimento de inegável valor social, como um meio dos negros enfrentarem a perseguição policial e a rejeição social, que via nas manifestações culturais negras uma suposta violação dos valores morais, atribuindo a elas desde a simples algazarra até a supostos rituais demoníacos, imagem distorcida que os racistas atribuíram ao candomblé, que na verdade era a expressão religiosa dos povos negros, de inegável importância para seu povo.
Com a modernização e urbanização do samba, vieram então vários nomes. Em 1907, veio o primeiro samba gravado em disco, "Pelo Telefone", pelo cantor e compositor Donga, e, ao longo do tempo, vieram outros cantores e autores de sambas: Ataulfo Alves, Pixinguinha, Noel Rosa, Cartola, Nelson Cavaquinho, entre tantos outros.
Dos ritmos derivativos do samba, o mais controverso foi o da Bossa Nova, na década de 1950. Lançada por artistas como Antônio Carlos Jobim e João Gilberto (este, baiano de Juazeiro, o inventor do ritmo tocado no violão), a Bossa Nova é acusada pelo historiador da música brasileira, José Ramos Tinhorão, de ter se distanciado da evolução natural do samba e se limitar apenas a aproveitar parte de seu ritmo para juntá-lo à influência do jazz e dos standards (a música popular cinematográfica de Hollywood, cujo maior ídolo foi Frank Sinatra). Os defensores da Bossa Nova, no entanto, embora reconheçam que o ritmo pouco tenha a ver com a realidade das favelas cariocas (por sinal, removidas dos principais bairros da Zona Sul pelos governos estaduais nos anos 50 e 60), no entanto afirmam que a BN contribuiu inegavelmente para o enriquecimento da música brasileira e para o reconhecimento do samba no exterior.
A manifestação cultural, na sua forma contemporânea, está presente em obras de compositores baianos como Dorival Caymmi, João Gilberto e Caetano Veloso. Recentemente, o samba é representado por nomes como Zeca Pagodinho e Dudu Nobre.
O QUE É SAMBA ROCK?
A gente pra viver bem nesse mundo
tem que ser um pouco mais inteligente,
como já dizia a minha velha avó:
"Macaco velho não põe a mão na cumbuca!"
Com o meu avô eu aprendi
que não se cutuca onça com a vara curta!
Mas quando a minha mãe vinha me dizer
pra tomar cuidado com esse mundo louco
Eu não quis ouvir
Eu não quis ouvir
Só fui ouvir é de um tio malandro que eu tenho
quando ele me dizia:
"Com'é que é meu?!"
Segura a nega
Segura a nega, viu?
Segura nega!
Segura a nega, viu? Clube do Balanço - Segura a Nega
É difícil responder esta pergunta.
Dá para descrever o que é uma batida de um tamborim? Mas tentarei falar o que é o samba-rock, ritmo que redescobri através do primeiro CD de um grupo paulista denominado Clube do Balanço.
O nome "samba-rock foi dito pela primeira vez por Jackson do Pandeiro, na música Chiclete com Banana, de Gordurinha.
Os primórdios do samba-rock começa nos anos 50, numa atitude contra o apartheid racial que informalmente existia no país.
Impedidos de entrar nos bailes com orquestras chiques ou pelo valor do ingresso ou simplesmente pelo segurança, o nosso povo começou a colocar o som através dos que chamaremos hoje dos pais dos DJs.
A musica era executada através de uma seleção de discos ou mesmo fitas cassetes.
Neste clima o pessoal foi copiado o estilo de dançar twist norte-americano, num estilo que misturava também o swing do samba.
Algo único e novo.
Ritmo
O inventor do samba-rock como música é Jorge Ben Jor, que nega até hoje.
Há que teorize sobre o arranjador Sergio Mendes, que misturou samba, bossa nova e jazz. Erasmo Carlos também foi identificado no teste de DNA do ritmo.
Mas o grande Jorge Ben no disco “O Bidu” é realmente o pai do samba-rock.
Depois uma geração de músico adaptou o samba, que era tradicionalmente tocado em compasso binário (2/4), ao compasso quaternário (4/4) do rock.
Além de usar instrumentos elétricos, como guitarras.
Ainda no fim dos anos 60 outros exemplos de como o samba poderia caber na moldura rítmica do rock-soul:
a Pilatragem de Carlos Imperial e Wilson Simonal (que fez de País Tropical, de Jorge Ben Jor, um de seus cavalos de batalha) e a farra orquestral do maestro Erlon Chaves (que concorreu em 1970, no V Festival Internacional da Canção, da Rede Globo, cantando Eu Quero Mocotó, também de Jorge, acompanhado por sua Banda Veneno).
Nos anos 70, a voz potente de Tim Maia popularizaria o samba-soul, emplacando dois sucessos nesse estilo: Réu Confesso e Gostava Tanto de Você. Jorge Ben Jor teve uma queda para o funk a partir do disco A Banda do Zé Pretinho (1978), mas artistas por ele diretamente influenciados seguiram a sua orientação anterior, com muito sucesso em bailes do subúrbio carioca.
É o caso de Bebeto (O Negócio é Você Menina, Flamengo) e de Serginho Meriti.
Em São Paulo, os bailes de periferia também ferviam ao som do samba-rock-suíngue, de nomes como o Trio Mocotó (que originalmente acompanhava Jorge Ben Jor), Copa 7, Luiz Vagner (que foi do grupo de jovem guarda Os Brasas, homenageado por Ben Jor com a música Luiz Vagner Guitarreiro), Branca Di Neve (falecido em 1989), Carlos Dafé, Dhema, Franco (também ex-Os Brasas), Abílio Manoel e Hélio Matheus.
De fins dos 60 para os 70 são gravadas as músicas que iriam se tornar os grandes clássicos dos bailes:
"Pena verde" e "Luisa manequim", de Abilio Manuel, "Zamba-bem", de Marku Ribas, "Para sempre sem Bronquear", pelos Golden Boys, "Guitarreiro", de Luiz wagner.
Os anos 70 trazem a fase áurea dos Originais do Samba, com sambas swingados como "Falador Passa Mal" e "Do Lado Direito da Rua Direita".
Em fins dos anos 70, o disco Baiano e os Novos Caetanos, traz a célebre "Vô Batê pra Tú", de Arnaud rodrigues e Orlandivo.
Nomes como Erlon Chaves, Bebeto, Di Mello, Orlandivo, Elizabeth Viana, Dóris Monteiro, nem sempre devidamente lembrados quando se fala se MPB, são os grandes nomes quando o assunto é samba-rock.
Já no começo dos anos 80, o grande Branca de Neve grava dois discos antológicos, deixando várias pedradas como "Kid Brilhantina" e "Nego Dito" (uma reconstrução, ou desconstrução fantástica de Itamar Assumpção). Vale dizer que o célebre hit "Não Adianta", com o Trio Mocotó, foi gravado nos anos 70, mas só chegou aqui pelos 80, se tornando um sucesso.
O tremendão Erasmo Carlos contribuiu para o estilo, marcando presença com os clássicos "Mané João" e "Coqueiro Verde", imortalizada para sempre como samba-rock pelo Trio Mocotó. A nossa bossa nova, relida e misturada com o blues e com o jazz pelos gringos é outra fonte de hits dos bailes, a exemplo de "Soul Bossa Nova", com a orquestra de Quincy Jones.
Um pouco mais e outras fontes
A História com suíngue
O samba refletiu as transformações políticas, culturais e de comportamento do país no século XX
Anos 10
1917
"Pelo Telefone" – Donga
O chefe da polícia/Pelo telefone/Manda me avisar/Que na carioca tem uma roleta/Para se jogar
Naquele que é considerado o primeiro samba a ser gravado, toques da malandragem que caracterizavam a boêmia carioca no início do século XX
Anos 20
1920
"Fala, Meu Louro" – Sinhô
A Bahia não dá mais coco/Pra botar na tapioca... (...)/Papagaio louro/Do bico dourado/Tu falavas tanto/Qual a razão que vives calado
O samba foi uma sátira à derrota de Rui Barbosa (foto) na eleição presidencial do ano anterior, quando ele teve menos da metade dos votos de Epitácio Pessoa
1926
"Pega-Rapaz" – Sinhô
Ó menina/Que moda é essa de seu vestido/Oi!/Curto na frente, comprido atrás/Isso é moda de pegar rapaz/Ó menina/Que moda é essa de seu cabelo/Oi!/Curto na frente,/Raspado atrás/Isso é moda de pegar rapaz
Sinhô retratava mudanças no comportamento feminino, com roupa e penteado que chamavam a atenção dos homens de então
Anos 30
1933
"Onde Está a Honestidade?" – Noel Rosa
Você tem palacete reluzente/Tem jóias e criados à vontade/Sem ter nenhuma herança ou parente/Só anda de automóvel na cidade... /E o povo já pergunta com maldade: /Onde está a honestidade?/Onde está a honestidade?
Noel (foto) faz um dos primeiros sambas com fundo de crítica política e social
Anos 40
1940
"Aurora" – Mário Lago e Roberto Roberti
(...) Um lindo apartamento/Com porteiro e elevador/E ar refrigerado/Para os dias de calor/Madame antes do nome/Você teria agora/Ô ô ô ô, Aurora
A letra fazia alusão aos edifícios de apartamentos, nova coqueluche nos anos 40
1941
"O Bonde de São Januário" – Ataulfo Alves e Wilson Batista
(...) Quem trabalha é que tem razão/Eu digo e não tenho medo de errar/O bonde de São Januário/Leva mais um operário/Sou eu que vou trabalhar (...)/A boêmia não dá camisa a ninguém
O Departamento de Imprensa e Propaganda (DIP) – órgão de repressão do Estado Novo de Getúlio Vargas – pressionava os sambistas para não mais falar de malandragem, e sim enaltecer o trabalho
Anos 50
1951
"Maria Candelária" – Armando Cavalcanti e Klécius Caldas
Maria Candelária/É alta funcionária/(...) À uma vai ao dentista/Às duas vai ao café/Às três vai à modista/Às quatro assina o ponto/dá no pé!/Que grande vigarista que ela é!
A vida boa dos funcionários públicos era motivo de chacota. A Candelária do título é uma alusão à igreja que fica na confluência das avenidas Presidente Vargas e Rio Branco, onde muitos trabalhadores tomavam ônibus de volta para casa
1952
"Lata d'Água" – Luís Antônio e Jota Júnior
Lata d'água na cabeça/Lá vai Maria (...)/Maria lava a roupa lá no alto/Lutando pelo pão de cada dia/Sonhando com a vida no asfalto/Que acaba onde o morro principia
Um retrato do cotidiano e da desesperança das favelas, áreas mais pobres das cidades
1955
"Tiradentes" – Mano Décio da Viola, Estanislau Silva e Penteado
Joaquim José da Silva Xavier/Morreu a 21 de abril/Pela Independência do Brasil/Foi traído, e não traiu jamais/A Inconfidência de Minas Gerais
Samba-enredo do Império Serrano, foi o primeiro do gênero a saltar do desfile das escolas para o sucesso popular. Contava a passagem histórica da Inconfidência Mineira
1959
"Chiclete com Banana" – Gordurinha e Almira Castilho
Eu só boto be-bop no meu samba/Quando o Tio Sam tocar um tamborim/Quando ele pegar num pandeiro e num zabumba/Quando ele aprender que o samba não é rumba/Aí eu vou misturar Miami com Copacabana/Chiclete eu misturo com banana/E o meu samba vai ficar assim (...)
A crescente influência da música americana na brasileira é alvo desta marchinha de Gordurinha (foto), que propõe um intercâmbio entre os dois países
Anos 60
1963
"Cabeleira do Zezé" – João Roberto Kelly e Roberto Faissal
Olha a cabeleira do Zezé/Será que ele é/Será que ele é...?/Será que ele é bossa-nova?/Será que ele é Maomé?/Parece que é transviado/Mas isso eu não sei se ele é!/Corta o cabelo dele!
A mudança dos rapazes cabeludos, que seguiam o modismo criado pelos Beatles
1965
"Opinião" – Zé Keti
Podem me prender/Podem me bater/Podem, até deixar-me sem comer/Que eu não mudo de opinião
Foi feito como resistência ao processo de remoção de favelas no então Estado da Guanabara, mas virou símbolo da resistência política à ditadura militar
Anos 70
1970
"Apesar de Você" – Chico Buarque
Apesar de você/Amanhã há de ser/Outro dia
Chico Buarque lançou essa música ao voltar para o país. A censura do governo militar demorou a perceber a provocação e a recolher o disco
1975
"De frente pro Crime" – João Bosco e Aldir Blanc (foto)
Tá lá o corpo estendido no chão/Em vez de um rosto uma foto de um gol/Em vez de reza uma praga de alguém/E um silêncio servindo de amém
A violência urbana e a indiferença da população ganham as letras dos sambas com Bosco e Aldir
Anos 80
1984
"Vai Passar" – Chico Buarque e Francis Hime
Num tempo/Página infeliz da nossa história/Passagem desbotada na memória/Das nossas novas gerações/Dormia/A nossa pátria mãe tão distraída/Sem perceber que era subtraída/Em tenebrosas transações
Outra letra política de Chico Buarque, aqui às vésperas da eleição de Tancredo Neves (foto)no Colégio Eleitoral, após o regime militar
Anos 90
1997
"Pela Internet" – Gilberto Gil
Criar meu web site/Fazer minha home-page/Com quantos gigabytes/Se faz uma jangada/Um barco que veleje/Que veleje nesse infomar/Que aproveite a vazante da infomaré/Que leve um oriki do meu velho orixá/(...)/Que o chefe da polícia carioca avisa pelo celular/Que lá na praça Onze tem um vídeopôquer para se jogar
Gilberto Gil retrata o mundo da informática, com uma citação ao primeiro samba gravado, "Pelo Telefone"
Adoniran Barbosa (1910-1982)
Reverenciado como o único sambista verdadeiro de São Paulo pelos cariocas, Adoniran Barbosa tirava de seu dia-a-dia os personagens e situações de suas músicas. Seu jeito simples com a fala rouca e contador de histórias o fizeram colecionar muitos amigos, entre eles Elis Regina e Clara Nunes, que também interpretaram muitas de suas canções. ''Trem das onze'', de sua autoria, conquistou o concurso de Carnaval do IV Centenário do Rio de Janeiro, em 1965.
Ari Barroso (1903-1964)
Ari Barroso ficou famoso em todo o mundo com ''Aquarela do Brasil''', o primeiro samba de exaltação patriótica. Órfão de pai e mãe, foi criado pela avó materna e por uma tia. Tocava piano aos 12 anos de idade no cinema de sua cidade, Ubá, fazendo fundo musical para filmes mudos. Formou-se em Direito no Rio de Janeiro. Com a marcha ''Dá nela'' venceu o concurso carnavalesco de 1930.
Ataulfo Alves (1909-1969)
''Ai, que saudades da Amélia'', em parceria com Mário Lago, é uma de suas mais célebres músicas. Nascido em Miraí, Minas Gerais, mudou-se para o Rio de Janeiro aos 18 anos. Foi diretor de harmonia do ''Fale Quem Quiser'', bloco organizado no bairro Rio Comprido. Carmen Miranda gravou um de seus sambas chamado ''Tempo perdido''.
Cartola (1908-1980)
Cartola é marcado por sua sensibilidade inata e sua poesia intuitiva, que o tornaram um dos principais artistas populares do Brasil. Aprendeu a tocar cavaquinho com o pai. Morador do morro da Mangueira, foi o responsável por escolher as cores verde e rosa da Escola de Samba Estação Primeira de Mangueira, além de compor o samba-enredo ''Chega de demanda'' para o primeiro desfile da escola.
Chiquinha Gonzaga (1847-1935)
A compositora foi responsável por aproximar a música erudita da popular, uma vez que tinha uma sólida formação de pianista e regente. Chiquinha foi, também, uma das primeiras a introduzir o violão nos salões cariocas. Começou a carreira como compositora de polcas e compôs a primeira marcha carnavalesca brasileira ''Abre alas!''.
Lamartine Babo (1904-1963)
O estilo único de Lamartine Babo era sua interpretação que, por meio de inflexões, destaca o humor e o lirismo de suas canções. Sua carreira no rádio foi iniciada em 1929, na Rádio Educadora, onde cantava e contava piadas. Nos anos 30, compôs marchinhas e sambas para o carnaval como ''Teu cabelo não nega'' (1932). Em 1942, criou o programa de rádio Trem da Alegria, no qual lançou os hinos que compôs para todos os times cariocas de futebol.
Noel Rosa (1910-1937)
Suas melodias mostram um verdadeiro retrato da vida carioca, através do lirismo e do sarcasmo. Tentou estudar Medicina, mas optou pela boemia do bairro de Vila Isabel, reduto do samba urbano cultivado pela classe média. Em 1932, iniciou suas atuações na emissora Rádio Philips. Com mais de 200 composições, Noel tem clássicos como ''Com que roupa?'' (1930) e "Até amanhã" (1932).
Pixinguinha (1898-1973)
O apelido Pixinguinha vem da mistura de Pizindim (menino bom) num dialeto africano, e Bexiguinha, apelidos infantis. É o autor do samba-choro ''Carinhoso'', que recebeu letra de João de Barro e fez sucesso na voz de Orlando Silva.
A história do samba
Saiba mais sobre o gênero que se transformou em identidade nacional e sofreu influências de diversos ritmos
GRAZIELA SALOMÃO
O samba, como conhecemos atualmente, tem origem afro-baiana, temperado com misturas cariocas. Nasceu da influência de ritmos africanos, adaptados para a realidade dos escravos brasileiros e, ao longo do tempo, sofreu inúmeras transformações de caráter social, econômico e musical até atingir as características conhecidas hoje.
O gênero, descendente do lundu (canto e dança populares no Brasil do século XVIII), começou como dança de roda originada em Angola e trazida pelos escravos, principalmente para a região da Bahia. Também conhecido por umbigada ou batuque, consistia em um dançarino no centro de uma roda, que dançava ao som de palmas, coro e objetos de percussão e dava uma ''umbigada'' em outro companheiro da roda, convidando-o a entrar no meio do círculo.
Com a transferência, no meio do século XIX, da mão-de-obra escrava da Bahia para o Vale do Paraíba e, logo após, o declínio da produção de café e a abolição da escravatura, os negros deslocaram-se em direção a capital do país, Rio de Janeiro.
Instalados nos bairros cariocas de Gamboa e Saúde, eles dariam início à divulgação dos ritmos africanos na Corte. Eram nas casas das tias baianas, como Amélia, Ciata e Prisciliana, que aconteciam as festas de terreiro, as umbigadas e as marcações de capoeira ao som de batuques e pandeiros. Essas manifestações culturais propiciariam, conseqüentemente, a incorporação de características de outros gêneros cultivados na cidade, como a polca, o maxixe e o xote. O samba carioca urbano ganha a cara e os ritmos conhecidos.
Em 1917 foi gravado em disco o primeiro samba chamado ''Pelo Telefone''. A música, de autoria reivindicada por Donga (Ernesto dos Santos), geraria polêmica uma vez que, naquele tempo, a composição era feita em conjunto. Essa canção, por exemplo, foi criada numa roda de partido alto (pessoas que partilhavam dos antigos conhecimentos do samba e designava música de alta qualidade), do qual também participaram Mauro de Almeida e Sinhô (José Barbosa da Silva), que se auto-intitulou ''o rei do samba''.
Após a primeira gravação, o samba conquistaria o mercado fonográfico e, com a inauguração do rádio em 1922 - único veículo de comunicação em massa até então -, alcançaria as classes médias cariocas. O novo estilo seria, ainda, abraçado e redimensionado por filhos de classe média, como o ex-estudante de Medicina Noel Rosa e o ex-estudante de Direito, Ari Barroso, através de obras memoráveis como ''Tarzan, o filho do alfaite'' e ''Aquarela do Brasil''.
O advento do rádio ainda transformaria nomes como Francisco Alves, Orlando Silva e Carmen Miranda em grandes ídolos do samba.
As escolas de samba do Rio de Janeiro
Entre as décadas de 20 e 30, o gênero ganharia muitas variações tais como o samba-enredo, o samba-choro e o samba-canção. É desse período, também, o surgimento dos sambas criados para os grandes blocos de Carnaval. A primeira escola de samba surgiria em 1929 no Estácio - tradicional bairro de boêmios e da malandragem da cidade. Chamada de 'Deixa Falar', fez sua primeira aparição na Praça Onze como um bloco de corda e inovava no ritmo: a nova batida era capaz de contagiar qualquer folião, diferentemente dos sons anteriores mais monótonos.
No ano seguinte, novas cinco escolas surgiriam para participar do desfile na Praça Onze: a ''Cada Ano Sai Melhor'' (do Morro de São Carlos), a ''Estação Primeira de Mangueira'', a ''Vai como Pode'' (atual Portela), a ''Para o Ano Sai Melhor'' (do Estácio) e a ''Vizinha Faladeira'' (das redondezas da Praça Onze). Com a repercussão do gênero, a cada ano surgiam mais escolas para participar dos desfiles de Carnaval.
As transformações do samba
O gênero que conquistou o título de identidade do Brasil dentro do país e no exterior, também cativou muitos adeptos no cenário artístico. Cada um deles deu sua contribuição ao estilo, surgindo diferente ramificações do tradicional samba.
O baiano Dorival Caymmi emprestou um pouco do seu refinamento às canções enquanto o também conterrâneo Batatinha incorporaria seu sotaque regional a enredos tristes. O paulistano Adoniran Barbosa encheria suas músicas com seu humor sarcástico enquanto o gaúcho Lupicínio Rodrigues, influenciado pelo bolero, trataria de temas sentimentais em suas composições. O samba ganharia, em cada região e com cada intérprete ou compositor, uma característica particular.
A influência cultural americana, logo após a Segunda Grande Guerra, também repercutiria no gênero. Com um modo diferente de dividir o fraseado do samba e inspirados no impressionismo do jazz e do erudito, surgiria através de João Gilberto e Tom Jobim a bossa nova nos anos 50. O novo estilo ganharia repercussão internacional. Dissidências internas desse grupo ainda propiciariam o surgimento dos afro-sambas de Baden Powell e Vinicius de Moraes.
Uma corrente mais popular faria ressurgir o samba tradicional do morro no final da década de 60 nas vozes de Cartola, Nelson Cavaquinho e, mais adiante, Candeia, Chico Buarque de Holanda e Paulinho da Viola. Este mesclou o estilo ao choro e se transformaria em um ícone do samba tradicional para a corrente mais vanguardista até hoje.
Outro grande nome do samba é Martinho da Vila que, além de popularizar o partido-alto, revalorizou os sambas-enredos para o mercado musical. O samba-reggae, com toadas do rhythm & blues americano teria em Jorge Bem seu criador e divulgador.
Nos anos 70, três divas do samba lançariam seus nomes na história do gênero: Alcione, Beth Carvalho e Clara Nunes. Os anos 80 destacariam o movimento do pagode, com um ritmo pontuado pelo banjo e pela percussão do tantan, com nomes como Zeca Pagodinho e o grupo Fundo de Quintal. O samba-pop da década de 90 também se auto-intularia pagode e produziria grupos em grande escala não muito próximos do samba de raiz.
No final da década de 90, o antigo samba seria revalorizado com nomes de grandes artistas do gênero como Nelson Sargento, Wilson das Neves e as Velhas Guardas da Portela e da Mangueira.
RADIOGRAFIA DO SAMBA
Os estilos que influenciaram o gênero,
segundo Mário de Andrade
Samba: Dança de salão ou de roda acompanhada de canto e dançarinos
Lundu: Canto e dança muito populares no Brasil do século XVIII originária dos escravos de Angola
Maxixe: Canto e dança populares no país no final do século XIX e início do XX. É uma mistura da habanera e da polca
Modinha: Canto de salão conhecido tanto no Brasil quanto em Portugal
Choro: Formado por pequenos grupos de instrumentos solistas
ação:
Coleção "História do Samba", lançada pela Editora Globo, composta por 40 CDs e fascículos. Exceção feita à faixa 1, ficha técnica do disco sem créditos para os músicos e arranjadores. Procurar - pelo nome do intérprete, título da música, e data de gravação - os discos originais. É surpreendente que em nenhum dos discos haja uma faixa sequer com Elis Regina. No entanto, ela está na capa do volume 34.
Música(s):
faixa 01
Pelo Telefone (1955)
Compositor(es):
Músico(s):
Grupo da Velha Guarda : Diversos
Pixinguinha : Saxofone Tenor
Part. Especial(ais):
Arranjador(es):
faixa 02
Batuque Na Cozinha (1972)
Compositor(es):
Part. Especial(ais):
Martinho da Vila : Voz
faixa 03
Cabritada Mal Sucedida (1953)
Compositor(es):
Part. Especial(ais):
Geraldo Pereira : Voz
faixa 04
Feitio De Oração (1965)
Compositor(es):
Part. Especial(ais):
Maria Bethânia : Voz
faixa 05
Pot-pourri (1973)
Compositor(es):
Compositor(es):
Part. Especial(ais):
Ismael Silva : Voz
faixa 06
Abre A Janela (1938)
Compositor(es):
Part. Especial(ais):
Orlando Silva : Voz
faixa 07
Patrão, Prenda Seu Gado (1974)
Compositor(es):
Part. Especial(ais):
Martinho da Vila : Voz
faixa 08
Acertei No Milhar (1935)
Compositor(es):
Part. Especial(ais):
Jorge Veiga : Voz
faixa 09
Palpite Infeliz (1935)
Compositor(es):
Part. Especial(ais):
Aracy de Almeida : Voz
faixa 10
Se Acaso Você Chegasse (1938)
Compositor(es):
Part. Especial(ais):
Cyro Monteiro : Voz
faixa 11
Eu Gosto Da Minha Terra (1930)
Compositor(es):
Part. Especial(ais):
Carmen Miranda : Voz
faixa 12
Canta Brasil (1992)
Compositor(es):
Part. Especial(ais):
Angela Maria : Voz
Cauby Peixoto : Voz
Origens do Samba, Significado, História do Samba e Principais Sambistas
O samba surgiu da mistura de estilos musicais de origem africana e brasileira. O samba é tocado com instrumentos de percussão (tambores, surdos timbau) e acompanhados por violão e cavaquinho. Geralmente, as letras de sambas contam a vida e o cotidiano de quem mora nas cidades, com destaque para as populações pobres. O termo samba é de origem africana e tem seu significado ligado às danças típicas tribais do continente.
As raízes do samba foram fincadas em solo brasileiro na época do Brasil Colonial, com a chegada da mão-de-obra escrava em nosso país.
O primeiro samba gravado no Brasil foi Pelo Telefone, no ano de 1917, cantado por Bahiano. A letra deste samba foi escrita por Mauro de Almeida e Donga .
Tempos depois, o samba toma as ruas e espalha-se pelos carnavais do Brasil. Neste período, os principais sambistas são: Sinhô Ismael Silva e Heitor dos Prazeres .
Na década de 1930, as estações de rádio, em plena difusão pelo Brasil, passam a tocar os sambas para os lares. Os grandes sambistas e compositores desta época são: Noel Rosa autor de Conversa de Botequim; Cartola de As Rosas Não Falam; Dorival Caymmi de O Que É Que a Baiana Tem?; Ary Barroso, de Aquarela do Brasil; e Adoniran Barbosa, de Trem das Onze.
Na década de 1970 e 1980, começa a surgir uma nova geração de sambistas. Podemos destacar: Paulinho da Viola, Jorge Aragão, João Nogueira, Beth Carvalho, Elza Soares, Dona Ivone Lara, Clementina de Jesus, Chico Buarque, João Bosco e Aldir Blanc.
Outros importantes sambistas de todos os tempos: Pixinguinha, Ataulfo Alves, Carmen Miranda (sucesso no Brasil e nos EUA), Elton Medeiros, Nelson Cavaquinho, Lupicínio Rodrigues, Aracy de Almeida, Demônios da Garoa, Isaura Garcia, Candeia, Elis Regina, Nelson Sargento, Clara Nunes, Wilson Moreira, Elizeth Cardoso, Jacob do Bandolim e Lamartine Babo.
Bahia, Rio de Janeiro e São Paulo
Os tipos de samba mais conhecidos e que fazem mais sucesso são os da Bahia, do Rio de Janeiro e de São Paulo. O samba baiano é influenciado pelo lundu e maxixe, com letras simples, balanço rápido e ritmo repetitivo. A lambada, por exemplo, é neste estilo, pois tem origem no maxixe.
Já o samba de roda, surgido na Bahia no século XIX, apresenta elementos culturais afro-brasileiros. Com palmas e cantos, os dançarinos dançam dentro de uma roda. O som fica por conta de um conjunto musical, que utiliza viola, atabaque, berimbau, chocalho e pandeiro.
No Rio de Janeiro, o samba está ligado à vida nos morros, sendo que as letras falam da vida urbana, dos trabalhadores e das dificuldades da vida de uma forma amena e muitas vezes com humor.
Entre os paulistas, o samba ganha uma conotação de mistura de raças. Com influência italiana, as letras são mais elaboradas e o sotaque dos bairros de trabalhadores ganha espaço no estilo do samba de São Paulo.
Principais tipos de samba:
Samba-enredo
Surge no Rio de Janeiro durante a década de 1930. O tema está ligado ao assunto que a escola de samba escolhe para o ano do desfile. Geralmente segue temas sociais ou culturais. Ele que define toda a coreografia e cenografia utilizada no desfile da escola de samba.
Samba de partido alto
Com letras improvisadas, falam sobre a realidade dos morros e das regiões mais carentes. É o estilo dos grandes mestres do samba. Os compositores de partido alto mais conhecidos são: Moreira da Silva, Martinho da Vila e Zeca Pagodinho.
Pagode
Nasceu na cidade do Rio de Janeiro, nos anos 70 (década de 1970), e ganhou as rádios e pistas de dança na década seguinte. Tem um ritmo repetitivo e utiliza instrumentos de percussão e sons eletrônicos. Espalhou-se rapidamente pelo Brasil, graças às letras simples e românticas. Os principais grupos são : Fundo de Quintal, Negritude Jr., Só Pra Contrariar, Raça Negra, Katinguelê, Patrulha do Samba, Pique Novo, Travessos, Art Popular.
Samba-canção
Surge na década de 1920, com ritmos lentos e letras sentimentais e românticas. Exemplo: Ai, Ioiô (1929), de Luís Peixoto.
Samba carnavalesco
Marchinhas e Sambas feitas para dançar e cantar nos bailes carnavalescos. exemplos : Abre alas, Apaga a vela, Aurora, Balancê, Cabeleira do Zezé, Bandeira Branca, Chiquita Bacana, Colombina, Cidade Maravilhosa entre outras.
Samba-exaltação
Com letras patrióticas e ressaltando as maravilhas do Brasil, com acompanhamento de orquestra. Exemplo: Aquarela do Brasil, de Ary Barroso gravada em 1939 por Francisco Alves.
Samba de breque
Este estilo tem momentos de paradas rápidas, onde o cantor pode incluir comentários, muitos deles em tom crítico ou humorístico. Um dos mestres deste estilo é Moreira da Silva .
Samba de gafieira
Foi criado na década de 1940 e tem acompanhamento de orquestra. Rápido e muito forte na parte instrumental, é muito usado nas danças de salão.
Sambalanço
Surgiu nos anos 50 (década de 1950) em boates de São Paulo e Rio de Janeiro. Recebeu uma grande influência do jazz.. Um dos mais significativos representantes do sambalanço é Jorge Ben Jor, que mistura também elementos de outros estilos.
Dia Nacional do Samba
- Comemora-se em 2 de dezembro o Dia Nacional do Samba.
Tambor da memória
O samba retratou, como nenhum outro ritmo, a história e os costumes do país
Beatriz Velloso e Cláudio Henrique, do Rio
Desde 1995 o desempenho nas aulas de História dos alunos da Escola Municipal Equador, em Vila Isabel, bairro da Zona Norte do Rio de Janeiro, melhorou a olhos vistos. Os pais comemoram notas altas no boletim, os níveis de evasão escolar caíram e as crianças estão mais interessadas nas aulas. A boa nova tem uma explicação: é fruto do trabalho da Oficina de Artes e Ofícios Herdeiros da Vila, que prepara os jovens da favela do Morro dos Macacos para serem integrantes da Unidos de Vila Isabel. Entre outras atividades no galpão ao lado do colégio, os futuros sambistas têm aulas inusitadas: eles aprendem o passado do Brasil a partir dos sambas-enredo do Carnaval carioca. Professores ensinam as passagens históricas por meio de versos e rimas de outros mestres: os bambas do samba, compositores como Mano Décio da Viola ou Silas de Oliveira.
“A partir das músicas, pedimos uma pesquisa sobre cada período. As crianças têm dois dias para voltar com as redações”, diz Dinorah Afonsina Pires, de 70 anos, que organiza a oficina. Vocalista do grupo As Gatas – quarteto de sucesso nos anos 60 e 70 –, ela diz que o segredo é adequar cada samba aos períodos históricos brasileiros. “A Favorita do Imperador”, defendido pela Imperatriz Leopoldinense em 1964, serve para discutir a relação da Marquesa de Santos com dom Pedro I; “Os Cinco Bailes Tradicionais na História do Rio”, enredo do Império Serrano em 1965, ajuda a analisar o período do império; e “Sublime Pergaminho”, do desfile de 1968 da Unidos de Lucas, é a senha para debater a trajetória da princesa Isabel, da Escravidão e da Lei Áurea.
Nos desfiles do Rio, fatos marcantes da história brasileira sempre estiveram entre os temas preferidos para nortear melodias sobre surdos e tamborins. “Já tive muita aula de História ouvindo Silas de Oliveira”, costuma dizer o sambista Nelson Sargento. As letras de 2002, porém, não confirmam a regra. Hoje, de olho nos patrocínios, as escolas de samba estão preferindo entoar loas a municípios ou a Estados da Federação. Mas Santos Dumont, o pai da aviação, abre asas de resistência e, mantendo a tradição, este ano terá sua memória cultuada na Marquês de Sapucaí por duas escolas: Beija-Flor e Salgueiro.
Contar a história do Brasil é mesmo uma sina do samba – desde quando ainda era apenas um canto de ex-escravos em busca de forma e conteúdo nas rodas que, no início do século XX, reuniam músicos na casa da baiana Tia Ciata, no Rio. O mais brasileiro dos ritmos fez do dois por quatro o compasso ideal para cantar não apenas o passado, mas também os costumes da sociedade brasileira. Seja nas crônicas musicais de Noel Rosa, seja nos protestos poéticos de Chico Buarque, os mais de 80 anos do samba espelham a trajetória do país.
O samba-enredo não guarda tanto mérito no registro do cotidiano nacional. Em geral as músicas que embalam passistas tendem a descrever fatos históricos isolados ou homenagear personagens brasileiros. “Essa tradição começou em 1938, quando o nacionalismo fez Getúlio Vargas proibir letras que falassem de temas internacionais”, conta o pesquisador Hiram Araújo, autor de livros sobre a história do Carnaval. Naquele ano, a escola Vizinha Faladeira seria impedida de desfilar com o enredo “Branca de Neve e os Sete Anões”. A proibição a temas estranhos à cultura nacional só foi extinta em 1997.
A forma como as diferentes manifestações do samba tratam a história e o cotidiano nacionais tem muito do tipo de “quintal” onde se manifestam. Assim, o samba-enredo sempre foi comportado na temática social por se tratar de exibição pública, espetáculo para multidões, acompanhado não apenas pelos olhares do público, mas também pelo crivo atento dos governos de linha dura ou da Liga. Já a marchinha sempre preferiu as hordas da inconseqüência. Música de bailes, prima pela franqueza, como se a liberdade fosse garantida pelas paredes dos salões de Carnaval. O samba que sai dos violões da MPB é o que vai ganhar os palcos. Sua elaboração poética e sua força de protesto têm motivo. Teatros e shows de música lembram assembléias estudantis – em que as palavras de ordem são o aplauso ou a vaia.
Os sambas-enredo quase nunca tratam de fatos do cotidiano, mas a própria escolha dos temas históricos revela o que ia pelo país a cada mês de fevereiro. “Com ‘Quilombo dos Palmares’, em 1960, o Salgueiro, pela primeira vez, levou à avenida a história dos negros", diz Araújo. Ele conta que foi difícil conseguir quem quisesse desfilar com as fantasias. “Todo mundo estava acostumado a sair de rei, rainha, papéis de brancos”, explica. O pesquisador Roberto Moura identifica nos enredos do Salgueiro nos anos 60 o início da conscientização dos negros sobre sua história. “Até ali, os negros gostavam de desfilar vestindo-se de brancos”, diz Moura, citando “Xica da Silva”, enredo do Salgueiro em 1963, como mais um retrato das mudanças sociais. “Marcou a chegada da mulher como tema de samba-enredo.”
Durante os anos da ditadura militar, as escolas souberam também criticar, nas entrelinhas, o regime autoritário. Dois exemplos foram “História da Liberdade no Brasil” (Salgueiro, 1967) e “Heróis da Liberdade” (Império Serrano, 1969). “Eram sambas que falavam de liberdade e interrompiam a narrativa histórica pouco antes do golpe militar. Ambos tiveram problemas com a censura, mas foram à avenida”, conta Araújo. “A Polícia Federal esteve na concentração do Império e por pouco a escola não desfilou”, lembra Roberto Moura. As escolas de samba do Rio ainda dariam outros exemplos de que samba e história do Brasil podem formar um conjunto harmonioso como mestre-sala e porta-bandeira. Em 1989, a Beija-Flor deu aula de crítica social com o enredo “Ratos e Urubus, Larguem Minha Fantasia”, que levou à avenida foliões vestidos com farrapos, como mendigos. Fome e pobreza no salão.
O pesquisador Zuza Homem de Mello lamenta que encontrar referências ao momento atual do país nas letras dos sambas-enredo de hoje seja tão difícil quanto esbarrar com um pierrô nas ruas das cidades. “Uma pessoa que ouvir o CD dos sambas de 2002 daqui a 20 anos não vai saber nada sobre como estava o Brasil”, critica. “As possibilidades de fantasias geradas pelo tema agora mandam na escolha do enredo. A estética está no poder, o que é uma pena.”
Autor de um dos mais importantes livros sobre a música brasileira no século XX – A Canção no Tempo, que analisa os maiores sucessos no país entre 1901 e 1985 –, Homem de Mello diz que nenhum outro gênero de samba teve uma visão crítica e de crônica social como a marchinha carnavalesca. “Como era uma música de vida curta, pois tocava nas rádios somente de dezembro à Quarta-Feira de Cinzas, os compositores precisavam de letras fáceis, que fossem compreendidas no salão”, conta. Daí o hábito de abordar assuntos da ordem do dia. “Era a garantia de que a música iria pegar.”
Ele cita como exemplo a marcha “Chiquita Bacana” (1949), em que João de Barro e Alberto Ribeiro debochavam do movimento existencialista então em voga. Da moda que se via nas ruas às vitórias e derrotas políticas de Getúlio Vargas, o inventário das marchas de Carnaval é um documento dos anos 40 aos 60 no Brasil. “Hoje as letras dos blocos de Carnaval do Rio cumprem essa função”, diz Alexandre Medeiros, comentarista de Carnaval do site Globo On Line e da Rede Bandeirantes.
Aproveitar os acontecimentos da atualidade como mote para letras era uma tendência já nos primórdios do samba. “‘Pelo Telefone’, o primeiro samba gravado, em 1917, era exemplar, pois cantava uma evolução tecnológica que estava sendo incorporada ao dia-a-dia dos cidadãos”, comenta Homem de Mello. A música, de autoria de Donga, ilustra outras características do período. “O samba daquele tempo mostrava o cotidiano no campo e nas fazendas, e também da escravidão”, ensina Carlos Sandroni, professor do Departamento de Música da Universidade Federal de Pernambuco e autor de Feitiço Decente, livro sobre a gênese do samba. “Pelo Telefone” faz referência à vida na roça (a letra diz: Ai, se a rolinha/Se embaraçou/É que a avezinha/nunca sambou) e à escravidão (na repetição das palavras sinhô e sinhá, antes usadas por escravos ao se referir a seus senhores). “Logo as letras de samba espelhariam fenômenos que a sociedade brasileira atravessava, passando a falar da realidade urbana, sinal da crescente urbanização do país”, diz Sandroni.
É nesse momento que a trajetória do samba, como documento da história do país, ganha seu principal marco. “Nenhum outro sambista antes de Noel Rosa havia retratado tão bem seu tempo por meio de música. Olhando a obra de Noel, é possível ver um retrato dos anos 30. É um documento histórico”, diz Homem de Mello. O professor de História Ramiro Lopes Bicca Júnior acaba de lançar tese de mestrado na PUC de Porto Alegre em que identifica elementos socioculturais do Brasil na obra do compositor. “Noel ultrapassou as fronteiras imediatistas a sua volta para expressar o conjunto da identidade nacional. Sua música e sua poesia são expressões atemporais do que é ser brasileiro”, escreveu Bicca Júnior.
O estilo de cronista musical passaria a ser uma marca não só do samba, mas de toda a música popular brasileira. “Chico Buarque e Aldir Blanc são as maiores expressões desse jeito de fazer samba, com ligação íntima com as principais questões brasileiras e do cotidiano”, diz o crítico musical João Máximo. Numa análise do cancioneiro popular, Roberto Moura observa que os compositores tendem a procurar o samba quando querem falar do Brasil. “Tanto no samba-exaltação de Herivelto Martins e Ari Barroso, que enaltecia as belezas do país, como na crônica de costumes de Noel e Chico”, exemplifica.
Não por acaso a bossa nova – que mesclava a harmonias belas e rebuscadas letras que falavam de barquinhos e saudade – teve seu momento de cisão justamente quando Nara Leão, uma das pioneiras no gênero, optou pelo samba engajado que vinha do morro, com sambistas como Zé Kéti, e foi parar no teatro Opinião. Moura não acha, porém, que o compositor popular opte pelo samba por identificar nele um ritmo nacionalista e, portanto, mais adequado para embalar canções de resistência. “Chico Buarque, por exemplo, tem uma relação visceral com o samba. Não foi Vinicius de Moraes, como muita gente pensa, que fez Chico compor, mas Ismael Silva, que era amigo de seu pai e freqüentava sua casa”, conta.
Zuza Homem de Mello também não entende que fazer samba seja, em alguns momentos, uma atitude política. “É claro que a própria origem da música, surgida dos escravos, das classes pobres, do morro, traz embutida uma questão social. Mas não acho que o samba seja propositadamente usado para fazer protestos políticos ou sociais”, comenta. “Isso acontece pelo simples fato de o samba ser o ritmo mais natural para qualquer brasileiro.” O pesquisador defende a tese de que os artistas de rap e hip-hop, que vêm surgindo nas favelas do Rio e de São Paulo, são herdeiros diretos de sambistas como Zé Kéti e Bezerra da Silva. “Também são música de protesto e também são feitas pelas camadas mais baixas. A única diferença é que refletem a influência da música americana no Brasil”, justifica. “A mensagem do hip-hop é muito mais agressiva, o rapper da periferia bate mais forte que o sambista com suas letras. E isso ocorre porque viver numa favela hoje é muito mais difícil do que era nos anos 40 ou 50”, argumenta. Assim, o rap e o hip-hop podem estar se juntando ao samba na tarefa de registrar, em versos, o cotidiano brasileiro. Uma função histórica que poderá ser conferida nos próximos 100 anos.
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História da Música Popular Brasileira
Nossa música é riquíssima em estilos, gêneros e movimentos. Do século XVIII
(dezoito), quando o Brasil ainda era uma colônia até o final do século XIX, passando
pelo período do Império e posteriormente a República, a produção musical foi
tomando ares nacionais, com o aparecimento de gêneros musicais brasileiros como o
maxixe e o choro. Vamos fazer um breve passeio por essa história!
Gêneros e Movimentos musicais nacionais:
A Modinha e o Lundu
Desde o século XVIII (dezoito), quando o Brasil ainda era colônia de Portugal, os
brasileiros já cultivavam dois gêneros lítero‐musicais: a modinha e o lundu. Nos
saraus, espécie de reunião onde se recitavam poemas e se cantavam músicas em
tardes e noites cariocas, os dois gêneros causavam furor entre os jovens enamorados.
Eram nestes encontros musicais que se podiam ouvir pianos, violas e cantores
diletantes, derramando lirismo e sarcasmo.
Lundu de Rugendas
A Modinha foi gênero lírico, cantando o amor impossível, as queixas dos
apaixonados e desiludidos. Já o lundu era gênero cômico com letras engraçadas e
cheias de duplo sentido, que levavam os ouvintes às gargalhadas muitas vezes. Haviam
até lundus proibidos às moças e crianças! Era o caso dos lundus de Laurindo Rabello,
um militar que adorava divertir seus amigos ao som de seus picantes lundus.
Domingos Caldas Barbosa2
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O mais importante compositor e cantor de modinhas e lundus, no século XVIII,
Domingos Caldas Barbosa, era um padre que não usava batina e tocava viola.
Duas músicas de grande sucesso da época foram:
O Lundu da Marrequinha (Francisco de Paula Brito – Francisco Manuel da Silva)
Os olhos namoradores
Da engraçada iaiásinha,
Logo me fazem lembrar
Sua bella marrequinha.
Iaiá, não teime,
Sólte a marreca
Senão eu morro, refrão
Leva‐me a breca.
Se dansando á Brasileira,
Quebra o corpo a iaiásinha,
Com ella brinca pulando
Sua bella marrequinha
Quem a vê terna e mimosa,
Pequenina e redondinha,
Não diz que conserva prêsa
Sua bella marrequinha.
Nas margens da Caqueirada
Não há só bagre e tainha:
Alli foi que ella creou
Sua bella marrequinha.
Tanto tempo sem beber...
Tão jururú... coitadinha!..
Quasi que morre de sêde
Sua bella marrequinha.
“Marrequinha "era um tipo de laço dado no vestido das moças do séc. XIX, usado atrás
das nádegas.
Quem sabe ou “Tão Longe de mim distante” (Carlos Gomes)
Tão longe de mim distante,
Onde irá, onde irá teu pensamento!
Tão longe de mim distante,
Onde irá, onde irá teu pensamento!
Quizera saber agora
Quizera saber agora
Se esqueceste,
Se esqueceste,
Se esqueceste o juramento
Quem sabe se é constante
S'inda é meu teu pensamento
Minh'alma toda devora
Da saudade, da saudade agro tormento
Vivendo de ti ausente,
Ai meu Deus,
Ai meu Deus que amargo pranto!
Vivendo de ti ausente,
Ai meu Deus,
Ai meu Deus que amargo pranto!
Suspiros angustiadores
São as vozes do meu canto
Quem sabe
Pomba innocente
Se também te corre o pranto
Minh'alma cheia d'amores
Te entreguei já n'este canto
O Teatro de Revista e o maxixe
O Teatro de Revista foi um gênero de espetáculo musicado muito em voga no
final do século XIX. Foi esse gênero de produção que empregou inúmeros músicos,
cantores, compositores e maestros na época. A compositora Chiquinha Gonzaga foi
uma das mais importantes compositoras para esse gênero de espetáculo, compondo
muitos maxixes.3
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A característica principal do Teatro de Revista era contar uma história de forma
satírica e cômica, geralmente baseada em acontecimentos ocorridos ao longo do ano,
no campo da política e da cultura. Os textos eram sempre entremeados de números
musicais, onde alguns gêneros como o maxixe se destacaram.
O bailarino Duque e uma de suas parceiras
O maxixe ficou conhecido como um gênero musical associado à dança do
mesmo nome. O maxixe‐dança surgiu em bailes populares de clubes recreativos,
comumente denominados “gafieiras” que proliferaram no Rio de Janeiro em fins do
século XIX. O estilo de dançar foi considerado obsceno na época, porque os dançarinos
ficavam muito enroscados um no outro, fazendo meneios e rebolados. Talvez algo
parecido com o que vemos hoje com a dança do funk. Apesar disso, o maxixe ganhou
expressão internacional. O grande divulgador da dança do maxixe na Europa foi sem
dúvida o dançarino Duque, que ao lado de suas parceiras Maria Lina, Gaby e Arlette
Dorgère conquistou grande sucesso em Paris dançando um maxixe mais refinado, sem
os excessos do maxixe das gafieiras e aceitável pelas camadas médias.
Charge de Kalixto mostrando a dança do maxixe
Arthur Azevedo, um dos grandes autores teatrais4
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Peças, autores e músicas famosas do Teatro de Revista
Um dos mais importantes autores do gênero foi Arthur Azevedo. São dele, por
exemplo, as revistas O Bilontra e Capital Federal, musicada por Chiquinha Gonzaga.
Anúncio da Revista O Bilontra de Arthur Azevedo
O maxixe conquista teatros e salões de baile e se
firma como a dança da moda
Pernas entrelaçadas e umbigos que saracoteiam em lambadas recíprocas dão o
tom da mais nova febre que assola as sociedades carnavalescas e teatros da cidade: o
maxixe. O balanço irresistível do maxixe, de tão variado, não pode ser classificado
como um ritmo musical. O que caracteriza o maxixe é uma coreografia muito peculiar,
provocante a ponto de roçar os limites do decoro, que vem despertando celeuma na
mesma medida em que a dança se firma como o prato predileto nos salões de baile
populares do Rio de Janeiro. Para se dançar maxixe, é necessário ter os pés
praticamente plantados no chão ‐ mexe‐se pouco com eles ‐ e responder aos apelos
sincopados da música com acentuados requebros de cintura. Dança‐se maxixe com os
corpos colados, e alguns cavalheiros tomam a liberdade de pousar as mãos abaixo da
cintura de suas parceiras durante os volteios. Com esses movimentos ousados, cabe
perguntar se o ritmo da moda é uma dança saborosa e inovadora ou apenas uma
indecência ao som de música sincopada.
A rainha do maxixe no Rio de Janeiro, a maestrina e compositora Francisca
Edwiges Gonzaga, de 42 anos, conhecida como "Chiquinha Gonzaga", sabe muito bem
PROBLEMAS COM A CENSURA
Podemos ver através de uma matéria publicada em jornal no dia 20 de
novembro de 1889, a grande polêmica que a dança do maxixe causou na
sociedade carioca. Sua aparição no ato final do teatro de revista “A Corte na
Roça” de Chiquinha Gonzaga causou grande alvoroço nos salões de dança do Rio
de Janeiro republicano. Veja o que diz a matéria:5
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o que significa o escândalo em torno do novo ritmo. Renomada professora de música e
compositora no Rio de Janeiro, ela coloca no frontispício das partituras de seus
maxixes a denominação "tango brasileiro". "Se eu colocar nas músicas o termo maxixe,
elas não entram nas casas de família que têm piano", queixa‐se a compositora. Foi ela
também a responsável pela introdução do maxixe nos palcos dos teatros, a bordo da
revista musical A Corte na Roça, de 1885 ‐ primeira opereta com música escrita por
uma mulher a ser encenada nos palcos brasileiros. O teatro que exibia a peça sofreu
ameaça de interdição por parte da polícia, que queria cortar a cena final aquela em
que um casal de capiaus aparece maxixando com todos os requebros e trejeitos, num
alucinante vai‐e‐vem de umbigos. "Na roça não se dança de maneira tão indecente",
observou um crítico na época.
A polícia implicou com A Corte na Roça, na verdade, por motivos políticos.
Chiquinha Gonzaga, que gosta de se ocupar de assuntos masculinos como a política,
foi abolicionista e é republicana ferrenha. Na peça, ela incluiu os seguintes versos,
cantados na voz de um caipira:
Já não há nenhum escravo
Na fazenda do sinhô
Todos são abolicionistas
Até mesmo o imperador.
A polícia exigiu que se trocasse a palavra "imperador" por "doutor". Hoje, se
Chiquinha decidisse remontar a peça, não teria quaisquer problemas com a polícia. E o
sucesso estaria garantido ‐ nos últimos tempos, as peças de maior público são aquelas
que incluem, entre suas atrações, números de maxixe.
Mesmo com toda a oposição dos defensores da moral, as sociedades carnavalescas
nas quais se pratica o maxixe vêm sendo freqüentadas, com cada vez mais intensidade,
por rapazes da alta sociedade; e as partituras do ritmo, escondidas sob o pseudônimo
de tangos brasileiros, penetram furtivamente dentro dos lares, onde moças de família
as executam ao piano. Mistura da melodia expressiva do chorinho com a métrica
sincopada e pulsante do lundu, o maxixe, ao lado das modinhas imperiais ‐ que
acontecerá a esse nome com a queda do Império? ‐, tem tudo para se firmar como a
moda musical do momento. A exemplo da modinha, a princípio considerada chula e
lasciva, e que hoje começa a ganhar aceitação nos círculos mais nobres da sociedade, o
maxixe vem dando uma lambada em seus opositores e fazendo da polêmica que
desperta mais um atrativo. A proibição redobra o prazer de remexer a cintura e trocar
confidências diretamente de umbigo a umbigo.6
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O choro e os chorões
O choro pode ser considerado como a primeira música urbana tipicamente
brasileira. Os primeiros conjuntos de choro surgiram por volta de 1880, no Rio de
Janeiro ‐ antiga capital do Brasil.
Esses grupos eram formados por músicos ‐ muitos deles funcionários da
Alfândega, dos Correios e Telégrafos, da Estrada de Ferro Central do Brasil ‐ que se
reuniam nos subúrbios cariocas ou nas residências do bairro da Cidade Nova, onde
muitos moravam.
O nome Choro veio do jeito choroso da música que esses pequenos conjuntos
faziam. A composição instrumental desses primeiros grupos de chorões (nome dado
aos músicos de choro) girava em torno de um trio formado por flauta, instrumento
que fazia os solos; violão, que fazia o acompanhamento como se fosse um contrabaixo
— os músicos da época chamavam esse acompanhamento grave de "baixaria" ‐; e
cavaquinho, que fazia o acompanhamento mais harmônico, com acordes e variações.
A história do choro iniciou em meados do século XIX, época em que as danças
de salão passaram a ser importadas da Europa. A abolição do tráfico de escravos, em
1850, provocou o surgimento de uma classe média urbana (composta por pequenos
comerciantes e funcionários públicos, geralmente de origem negra), segmento de
público que mais se interessou por esse gênero de música.
Em termos de forma musical, o choro costuma ter três partes (ou duas,
posteriormente), que seguem a forma rondó (sempre se volta à primeira parte, depois
de passar por cada uma delas).
Os conjuntos que o executam são chamados de regionais e os músicos,
compositores ou instrumentistas, são chamados de chorões. Apesar do nome, o
gênero é em geral de ritmo agitado e alegre, caracterizado pelo virtuosismo e
improviso dos participantes, que precisam ter muito estudo e técnica, ou pleno
domínio de seu instrumento.
Choro, pintura de Portinari7
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Violão de 7 e de 6 cordas, bandolim, flauta, cavaquinho e pandeiro – instrumentos
preferidos dos chorões
Hoje o conjunto regional é geralmente formado por um ou mais instrumentos
de solo, como flauta, bandolim e cavaquinho, que executam a melodia, o cavaquinho
faz o centro do ritmo e um ou mais violões e o violão de 7 cordas formam a base do
conjunto, além do pandeiro como marcador de ritmo.
OS Grandes Chorões do passado
O flautista e compositor Joaquim Antônio da Silva Callado é conhecido como o
pai dos chorões e foi o mais popular músico do Rio de Janeiro imperial. Ele é
considerado um dos criadores do Choro, ou pelo menos um dos principais
colaboradores para a fixação do gênero. Seu maior sucesso é Flor Amorosa, número
obrigatório para qualquer flautista de choro.
Joaquim Callado – O primeiro chorão e sua amiga, Chiquinha Gonzaga
De seu grupo fazia parte a pioneira maestrina Chiquinha Gonzaga, não só a
primeira chorona, mas também a primeira pianista do gênero. Em 1897, Chiquinha
escreveu para uma opereta o cateretê Corta‐Jaca, uma das maiores contribuições ao
repertório do choro.8
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Ernesto Nazareth em dois momentos de sua vida
Ernesto Júlio de Nazareth foi mais que um pianista de bailes e saraus do final
do séc. XIX e início do séc. XX. Ele foi a pessoa que encontrou a maneira mais eficaz de
se reproduzir um conjunto de choro no piano, criando um estilo inigualável. Músico de
trajetória erudita e ligado à escola européia de interpretação, Nazareth compôs
Brejeiro (1893), Odeon (1910) e Apanhei‐te Cavaquinho (1914), que romperam a
fronteira entre a música popular e a música erudita, sendo vitais para a formação da
linguagem do gênero.
O compositor Anacleto de Medeiros nasceu em Paquetá, filho natural de uma
“crioula liberta”, como consta na sua certidão de nascimento. Ele é apontado como o
criador do schottisch brasileiro. Anacleto foi fundador, diretor e maestro de muitas
bandas, tendo contribuído de maneira fundamental para a fixação dessa formação no
Brasil. A tradição de bandas se reflete até hoje, por exemplo no desenvolvimento de
uma sólida escola de sopros. A banda que se tornou mais famosa sob sua regência foi a
do Corpo de Bombeiros, que chegou a gravar alguns dos discos pioneiros produzidos
no Brasil, nos primeiros anos do século XX.
Anacleto de Medeiros
O flautista e saxofonista Alfredo da Rocha Vianna Filho, o Pixinguinha,
contribuiu diretamente para que o choro encontrasse uma forma definida. Para isso,
introduziu elementos da música afro‐brasileira e da música rural nas polcas, valsas,
tangos e schottischs dos chorões. Ele é considerado o maior chorão de todos os
tempos. É de sua autoria o clássico Carinhoso, música obrigatória no repertório do
choro.9
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O Genial Pixinguinha e Pixinguinha com os 8 Batutas, seu famoso grupo
Outra personalidade de importante na história do choro foi o carioca Jacob Pick
Bittencourt, o Jacob do Bandolim, famoso não só por seu virtuosismo como
instrumentista, mas também pelas rodas de choro que promovia em sua casa, nos
anos 50 e 60. Sem falar na importância de choros de sua autoria, como Remeleixo,
Noites Cariocas e Doce de Côco, que já fazem parte do repertório clássico do choro.
Jacob e seu bandolim e Waldir Azevedo e o cavaquinho
Contemporâneo de Jacob, Waldir Azevedo superou‐o em termos de sucesso
comercial, graças a seu pioneiro cavaquinho e choros de apelo bem popular que veio a
compor, como Brasileirinho (lançado em 1949) e Pedacinhos do Céu.
Lambada-Zouk
A Música do Caribe
Em vez de Caribe, o mais correto seria a região chamar-se "Os Caribes", considerando que as ilhas foram dominadas por diversos povos europeus, dando características muito diferentes a cada uma delas.
Os Caribes seriam quatro: o espanhol, o francês, o inglês e o holandês.
Todos têm em suas culturas, em maior ou menor grau, influência dos nativos, dos invasores e dos africanos.
Na música, isso representou uma enorme diversidade, mas com um detalhe: quase todos os países utilizam principalmente os instrumentos de cordas que vieram da Europa e a percussão africana (basicamente do povo Yorubá).
Muitos acreditam que a lambada - música e dança - sejam produtos culturais do Caribe. Também há aqueles que acreditam que lambada e zouk sejam nomes diferentes para o mesmo ritmo e dança, mas nada disso é verdadeiro.
Para entender como surgiu a lambada e desfazer essa confusão é preciso saber um pouco mais, separando danças e músicas nesse caldeirão de ritmos.
A Música Zouk
A música caribenha, que é também ingrediente de diversos ritmos brasileiros, sempre teve grande influência no norte do Brasil, em especial no Maranhão.
O zouk é uma dessas músicas.
Forte onde ocorreu colonização francesa como a Martinica e Guadalupe, ele é cantado, normalmente, em creòle, uma mistura do francês com línguas africanas.
Estudiosos acreditam que a sua base rítmica pode ser oriunda da cultura árabe.
Esta mesma base é encontrada em vários países como Espanha e Portugal, no mundo árabe, no continente africano e em praticamente toda a América.
Uma das versões sobre o surgimento da música zouk afirma que ela foi criada para divulgar a Martinica e ter, a exemplo de Cuba, influência cultural na América Latina. O resultado foi apenas parcial:
conseguiram que o ritmo se espalhasse pelo mundo, mas como isso ocorreu a partir da França, em diversos lugares, inclusive no Brasil, muitos passaram a acreditar que a música e a dança seriam francesas.
Tanto é que por muito tempo, quando era moda dançar lambada, chamávamos os zouks de lambada francesa.
A Dança Zouk
O zouk - que significa festa - é uma dança praticada no Caribe, principalmente nas ilhas de Guadalupe, Martinica e San Francisco.
A exemplo do merengue, é dançado trocando o peso basicamente nas cabeças dos tempos musicais (o que muitos professores de dança chamam simplesmente de tempo) e sua coreografia é simples e pouco elaborada.
A Música Lambada
Surgida no Pará, a música lambada tem base no carimbó e na guitarrada, influenciada por vários ritmos como a cúmbia, o merengue e o zouk.
Diversos relatos de paraenses contam que uma emissora local chamava de "lambadas" as músicas mais vibrantes.
O uso transformou o adjetivo em nome próprio, batizando o ritmo cuja paternidade deve ser creditada ao músico Pinduca.
O novo nome e a mistura do carimbó com a música metálica e eletrônica do Caribe caiu no gosto popular, conquistou o público e se estendeu, nessa primeira fase, até o Nordeste.
O grande sucesso, no entanto, só aconteceu após a entrada de empresários franceses no negócio. Com uma gigantesca estrutura de marketing e bons músicos, o grupo Kaoma lançou com êxito a lambada na Europa e outros continentes. Adaptada ao ritmo, a música boliviana "Chorando se foi" tornou-se o carro chefe da novidade pelo mundo.
É uma história recorrente, onde apenas mudam os personagens:
a valorização do produto nacional se dá tão somente após a vitória no exterior.
Seguiu-se um período intenso de composições e gravações de lambadas tanto no mercado interno quanto externo. Os franceses, por exemplo, compraram de uma só vez os direitos autorais de centenas de músicas. Dezenas de grupos e diversos cantores pegaram carona no sucesso do ritmo, incrementando suas carreiras, como foi o caso de Sidney Magal, Sandy e Jr, Fafá de Belém e o grupo Balão Mágico.
Depois dessa fase de superexposição, como acontece com quase todas as boas novas de ontem, deu-se um natural desgaste com a conseqüente queda nas vendas até o cessar da produção.
A Dança Carimbó
Antes de falar sobre a dança lambada devemos lembrar um pouco de uma de suas raízes: o carimbó.
Dança indígena, pertencente ao folclore amazônico vem sendo dançado por lá há séculos.
Ascendente direto da lambada é, na forma tradicional, acompanhado por tambores de tronco de árvores afinados a fogo. Atualmente o carimbó tem como característica ser mais solto e sensual, com muitos giros e movimentos onde a mulher tenta cobrir o homem com a saia.
A Dança Lambada
A dança lambada teve sua origem a partir de uma mudança do carimbó que passou a ser dançado por duplas abraçadas ao invés de duplas soltas.
Assim como o forró, a lambada tem na polca sua referência principal para o passo básico, somando-se o balão apagado, o pião e outras figuras do maxixe.
Usa-se, para as trocas de peso, normalmente, as cabeças dos tempos e o meio do tempo par; se começarmos a dançar no "um", (pisa-se no "um", no 'dois" e no "e").
A lambada chega a Porto Seguro, e ali se desenvolve. Boas referências foram a lambada Boca da Barra e o Jatobar em Arraial D'Ajuda, onde desde o início também zouks (lambadas francesas) serviram para embalar os lambadeiros.
Tudo isso acontece na época do apogeu do carnaval baiano, que ditava uma moda atrás da outra, e numa delas, apresentou a lambada ao Brasil.
Essa segunda fase da dança durou apenas uma temporada e foi um pouco mais abrangente que a primeira que só havia chegado até o nordeste.
Até esse ponto a lambada era uma modalidade que tinha como principal característica os casais abraçados.
Era uma exigência tão forte que, quando da realização de alguns concursos, aqueles que se separassem eram desclassificados.
No exterior e aqui, a lambada torna-se um grande sucesso e em pouco tempo marca presença em filmes e praticamente todos os programas de auditório aparecendo até em novelas. É a hora dos grandes concursos, shows etc.
A necessidade do espetáculo faz com que os dançarinos criem coreografias cada vez mais ousadas, com giros e acrobacias.
Depois de algum tempo, a música lambada entra em crise e pára de ser gravada.
Os Djs das boates aproveitam então para simular o enterro do estilo musical.
A dança perde destaque, mas sobrevive, pois já haviam sido feitas nas lambaterias muitas experiências com variados estilos de música que tivessem a batida (base de marcação) que permitisse dançar lambada, só para citar um exemplo, a banda de rumba flamenca Gipsy Kings teve vendagem significativa por aqui por conta da dança, então as músicas francesas, espanholas, árabes, americanas, africanas, caribenhas etc.
viraram a "salvação" e solução para a continuidade do estilo de dança.
De todas, o zouk foi o ritmo que melhor se encaixou na nossa dança tornando-se a principal música para dançar lambada.
Esta passa a ser dançada com um andamento mais lento, com mais tempo e pausas que praticamente não existiam na música lambada, permitindo explorar ao máximo a sensualidade, plasticidade e beleza da nossa criação.
Os movimentos ficaram mais suaves e continuam fluindo, modificando-se à medida que ela incorpora e troca com outras modalidades.
Contribuem ainda as diversas pesquisas, até fora da dança de salão, como por exemplo, as de contato e improvisação.
Hoje a relação com o parceiro volta a ganhar valor, as acrobacias ficam praticamente exclusivas para os palcos e os locais para dançar reabrem em diversos estados.
Mesmo não tendo, por parte de alguns, o devido reconhecimento, a lambada mostrou-se um grande incremento profissional.
Encontramos lambaterias e professores de lambada em diversos pontos do planeta e ainda que a chamem de zouk, muitos viveram e vivem dela até hoje.
De toda essa história ficaram ótimos frutos, por exemplo:
uma boa parte dos talentos da dança de salão de hoje surgiu a partir da lambada; a apresentação aos jovens da dança a dois; a visibilidade internacional conquistada - a lambada é a nossa dança de par mais conhecida no exterior (mais até que o samba) e principalmente o resgate do direito, perdido a décadas, de dançar abraçado.
BY LUIS FLORIÃO
O Forró , na verdade, são vários gêneros musicais oriundos do nordeste brasileiro. Possui origem mestiça. Entre vários ritmos diferentes que são comumente identificados como Forró destacam-se o Baião,
((( Esse gênero musical foi transformado em música popular urbana no início da década de 1940 através do trabalho de Luiz Gonzaga considerado o "Rei do Baião" e Humberto Teixeira, chamado de "O doutor do baião".
O baião teria nascido de uma forma especial dos violeiros tocarem lundu na zona rural do Nordeste estruturando-se em seguida como música de dança.
Há também um parentesco do "arrasta-pé" do baião com as danças indígenas, sendo uma cena folclórica a dança do sertanejo com as mãos atrás das costas e dançando com uma perna a frente da outra.
O grande divulgador e fixador do baião cantado como gênero de música popular brasileira foi Luiz Gonzaga. A maioria dos baiões bem sucedidos no mercado interno brasileiro é constituída de baiões cantados por Luiz Gonzaga, Carmélia Alves, Quatro Ases e Um Coringa, Luiz Vieira.
Há entretanto o baião instrumental de Waldir Azevedo que abriu o caminho para a divulgação do ritmo por todo o mundo. Delicado é um exemplo significativo, que acabou recebendo duas letras: a que foi cantada por Carmen Miranda na sua última apresentação pública, no show do Jimmy Duran e a que Ademilde Fonseca gravou no Brasil.
O que se chama hoje de forró remete-se, na verdade a diversos ritmos nordestinos, dentre eles o baião. O forró tem enorme aceitação no Brasil inteiro, mas, assim como outros gêneros musicais, já sofre com a indústria cultural que cria grupos e bandas que diluem a influência nordestina em baladas pop dotadas de apelo comercial.
o Coco, (((( O coco é um ritmo originário do Nordeste brasileiro. O nome refere-se também à dança ao som deste ritmo.
Coco significa cabeça, de onde vêm as músicas, de letras simples. Com influência africana e indígena, é uma dança de roda acompanhada de cantoria e executada em pares, fileiras ou círculos durante festas populares do litoral e do sertão nordestino. Recebe várias nomenclaturas diferentes, como coco-de-roda, coco-de-embolada, coco-de-praia, coco-do-sertão, coco-de-umbigada, e ainda outros o nominam com o instrumento mais característico da região em que é desenvolvido, como coco-de-ganzá e coco de zambê. Cada grupo recria a dança e a transforma ao gosto da população local.
O som característico do coco vem de quatro instrumentos (ganzá, surdo, pandeiro e triângulo), mas o que marca mesmo a cadência desse ritmo é o repicar acelerado dos tamancos. A sandália de madeira é quase como um quinto instrumento, se duvidar, o mais importante deles. Além disso, a sonoridade é completada com as palmas.
Existe uma hipótese que o diz que o surgimento do coco se deu pela necessidade de concluir o piso das casas no interior, que antigamente era feito de barro. Existem também hipóteses que a dança surgiu nos engenhos ou nas comunidades de catadores de coco.
o Rojão
a Quadrilha, ((( Quadrilha é tradizida direito do holandês e do Alemão Polca. É uma contradança de origem holandesa, no Brasil, apesar de ser dançada também pelos alemães, em compasso de 6 / 8, na qual quatro pares se situam frente a frente. Teve o seu apogeu no séc. XVIII, em França, onde recebeu o nome de "Neitherse". Tornou-se muito popular nos salões aristocráticos e burgueses do séc. XIX em todo o mundo ocidental.
No Brasil, a quadrilha é parte das comemorações chamadas de festas juninas. Um animador vai pronunciando frases enquanto os demais participantes, geralmente em casais, se movimentam de acordo com as mesmas. Para alguns cientistas sociais, especialmente antropólogos, tal forma de entretenimento representa uma permanência do pensamento evolucionista muito em voga principalmente no século XIX, onde pessoas que residem em meios urbanos agem de forma estereotipada, zombando dos moradores de áreas rurais mesmo sem se darem conta.
Também chamada de quadrilha caipira ou de quadrilha matuta, é muito comum nas festas juninas. Consta de diversas evoluções em pares e é aberta pelo noivo e pela noiva, pois a quadrilha representa o grande baile do casamento que hipoteticamente se realizou. Esse tipo de dança (quadrille) surgiu em Paris no século XVIII, tendo como origem a contredanse française, que por sua vez é uma adaptação das country dance holandesa e alemã, segundo os estudos de Maria Amália Giffoni.
A quadrilha foi introduzida no Brasil durante a Regência e fez bastante sucesso nos salões brasileiros do século XIX, principalmente no Rio de Janeiro, sede da Corte. Depois desceu as escadarias do palácio e caiu no gosto do povo, que modificou suas evoluções básicas e introduziu outras, alterando inclusive a música.
A sanfona, o triângulo e a zabumba são os instrumentos musicais que em geral acompanham a quadrilha. Também são comuns a viola e o violão. Nossos compositores deram um colorido brasileiro à sua música e hoje uma das canções preferidas para dançar a quadrilha é "Festa na roça", de Mario Zan. Os ritmos juninos são: qudrilha,forró, baião, xaxado, fandango, xote, coco e vanerão.
o Xaxado ((( Xaxado é uma dança popular criada no Mesorregião do algarve em Portugal, muito praticada pelos cangaceiros da região, como comemoração de vitórias. O nome é devido ao barulho das sandália dos cangaceiros contra o chão )))
e o Xote. ((( Xote é, atualmente no Brasil, uma modalidade de Forró. O Xote se originou a partir de uma dança típica de Portugal do século XIX, trazida ao país pelos colonizadores europeus e, a partir daí, caído no gosto dos escravos brasileiros. O xote é dançado devagar, é encostar a cabeça no ombro do parceiro, fechar os olhos, e dois pra lá e dois pra cá, é uma dança bem chão, ou seja pés no chão.Os dançarinos usam com roupa as meninas vestidos até o joelho ou tornozelo, bem rodados, fitas e qualquer outras coisas no cabelo enfeitando como rosas, já os homens calças e camisas estampadas uma bela música de xote devagar e é só dança. O ritmo inspira muita sensualidade e também nos seus movimentos. Xote é uma modalidade do baião, é um ritmo mais lento, romântico, no qual o casal dança lento com poucas evoluções e está sempre com caráter sensual meio jocoso.
Músicas consideradas Xote: - Espumas ao vento - Fagner; - Regresso - Elba Ramalho; - Moreno - Bicho de Pé.
Em Portugal o Xote, Xotiça ou Scotish é uma dança popular, que surge em todo o território. Mais recentemente foi reintroduzida com nova coreografia adotada da França. Trata-se de uma dança de par geralmente rápida, com passos muito simples e com muitos momentos de improviso.
Possui semelhaças tanto com o Toré e o arrastar dos pés do índios quanto com os ritmos binários portugueses e holandeses, com o balançar dos quadris dos africanos. A dança do forró têm influência direta das danças de salão européia.
O forró é especialmente popular nas cidades de Juazeiro do Norte, Caruaru, Mossoró e Campina Grande, onde é símbolo da Festa de São João, e nas capitais Fortaleza, Aracaju, Natal e Recife onde são promovidas grandes festas que duram a noite toda. Forró também é o nome dado a estas festas.
Origem do Nome O termo Forró, segundo o mestre potiguar Câmara Cascudo, notável estudioso das manifestações culturais populares, vem da redução da palavra forrobodó, que significa, além de arrasta-pé, farra, confusão, desordem.
É freqüente associar-se a origem da palavra forró à expressão americana for all (para todos), como um anglicismo. Para essa versão foi construída uma engenhosa estória: no início do século XX, os engenheiros britânicos, instalados em Pernambuco para construir a ferrovia Great Western, promoviam bailes abertos ao público, ou seja for all. Assim, for all passaria a ser, no vocabulário do povo nordestino, forró (a pronúncia mais próxima). Outra versão da mesma estória substitui os ingleses pelos americanos e o Pernambuco do início do século XX pela Natal do período da Segunda Guerra Mundial, quando uma base militar dos Estados Unidos foi instalada na cidade. Apesar de jocosa a versão, não há sustentação para a origem anglicista do termo, mesmo porque em 1937, 5 anos antes da instalação da referida base, a palavra forró já se encontrava registrada na história musical através da gravação fonográfica de “Forró na roça”, música composta pelos autores Manoel Queiroz e Xerém
Chamamé